Mostre

1999 | 2000 | 2001 | 2002 | 2004 | 2005 | 2006 | 2007 | 2008 | 2009 | 2010 | 2011

Institute of Contemporary Arts
The Mall
London SW1Y 5AH
tel: 020 7930 3647
http://www.ica.org.uk

Launching 2003 with a massive creative talent, New York based artist and technologist Joshua Davis brings to the ICA a major retrospective of his work. Coming to international prominence in 1998 with web based projects such as dreamless.org, praystation and Once Upon A Forest, Davis has been one of those creatives who actually shaped the look of the internet and also how we navigate through websites. Recently Davis won the 2001 Prix Ars Electronica Golden Nica in the category Net Excellence and was honoured by the IPPA as one of the Ten Most Creative People in web design.

(+RAMTV).
negotiate my boundary!

FUTURE FILM FESTIVAL
Le Nuove tecnologie del Cinema d'Animazione

Future Film Festival
Via del Pratello 21/2
40122 Bologna
tel: +39 051 2960664
fax: +39 051 6567133

Location:
Capitol Multisala
via Milazzo 1
Bologna
tel: 051 241002

future@futurefilmfestival.org
www.futurefilmfestival.org

Il Future Film Festival, diretto da Giulietta Fara e Oscar Cosulich, e' la prima e più importante manifestazione italiana dedicata alle nuove tecnologie, agli effetti speciali e all'animazione 3D e si terrà a Bologna dal 15 al 19 gennaio 2003, aperto, il 14 gennaio, dall’anteprima nazionale de Il Signore degli Anelli – Le Due Torri . Giunto alla quinta edizione il festival si prospetta ricco di anteprime importanti, incontri e dibattiti che ruotano attorno al tema del digitale e delle sue applicazioni. Tra gli appuntamenti: l’anteprima italiana di Spirited Away (Sen to Chihiro no kamikakushi) di Hayao Miyazaki, vincitore delll’Orso d’Oro a Berlino; l’anteprima italiana del film di Mike Figgis, Hotel; un omaggio al regista Godfrey Reggio, ospite del festival, di cui viene presentata la trilogia composta da Koyaanisqatsi, Powaqqatsi, Naqoyqatsi e il cortometraggio Anima Mundi; l’anteprima italiana di Ghost Ship di Steve Beck; l’anteprima italiana di My Beautiful Girl, Mari di Sung-gang Lee, vincitore del premio come miglior film all’ultimo festival del cinema d’animazione di Annecy; Mercano El Marciano di Juan Antin, vincitore del premio speciale della giuria al festival di Annecy; l’uovo di Dario Picciau, primo lungometraggio italiano completamente realizzato in 3D. Innumerevoli gli incontri e i momenti di approfondimento dedicati alle nuove soluzioni dell’animazione 3D e agli effetti speciali. [...]

Tatirama
Architecture and film of Jaques Tati

Netherlands Architecture Institute
Museumpark 25
3015 CB Rotterdam
Netherlands
tel: +31(0)10-4401200
fax: +31(0)10-4366975
http://www.nai.nl/

This exhibition shows us the attitude of the legendary French director Jacques Tati on the modernization and mass-culture in the fifties and sixties. Images from Tati's movies are coupled with quotes by the famous architect Le Corbusier. The exhibition includes the drawings of Tati's set designer and co-author of most of his films, Jacques Lagrange.Tati is famous for such cinema successes as "Les Vacances de Monsieur Hulot", "Mon Oncle" and "Trafic". His films deliver a humorous critique of the inflated scale, standardization and monoculture of modern architecture. Tati did not write and design his films alone. Jacques Lagrange was Tati's regular set designer from 1953 until the latter's death. Tati always kept Lagrange hidden from the public. A unique feature of the new exhibition is that it shows Lagrange's work in relation to the film images. These drawings reveal that neither Tati nor Lagrange left anything to chance. Everything was meticulously conceived and designed, and Tati and Lagrange both had a keen eye for detail. The "Tatirama" exhibition takes place in the context of the International Film Festival Rotterdam (IFFR) [...]

Mazal Gallery
Corso Santi Felice e Fortunato 105
36100 Vicenza
tel: 0444 322288
fax: 0444 322270
vicenza@mazalgallery.it

In mostra, la recente produzione d'oggetti unici 1x1 di Aldo Cibic, un'autoproduzione che dichiara il desiderio di vedere realizzati oggetti più vicini all'arte che al design. Saranno esposti lo sgabello morbido Ring e il lettino Lucum, una sorta di tappeto volante. Entrambi sono realizzati in plexiglass e tecnogel, un materiale morbido ed estremamente sensuale al tatto. All'insegna del gioco si propongono inoltre delle vetrinette sempre in plexiglass. Arricchiscono l'esposizione due elementi della precedente collezione Standard, Asse da stiro (con Giulio Ceppi), 1992 e Chaise Longue, 1991.

Generali Foundation
Wiedner Hauptstraße 15
A-1040 Wien
tel: +43 1 504 98 80
fax: +43 1 504 98 83
http://www.gfound.or.at/

The exhibition presents five collective and recently produced art projects to examine the concept of 'geography' in a way that goes beyond its geo-scientific definition. Geography is seen as a model of thought for concepts of boundaries, connectivity and transgression within society. The exhibition takes a critical look at an increasingly consolidated Europe as well as its borders and at the same time presents emerging formations of artistic and activist 'geographies'. Makrolab is a temporary, autonomous art-science laboratory initiated by the Slovenian artist Marko Peljhan. It provides changing participants with means to listen into data from around the world under isolated conditions. The project group Frontera Sur RRVT examines the Spanish-Moroccan border as an area for mobility motivated by various causes. The multi-video work A/S/L (Age/Sex/Location) by Raqs Media Collective from Delhi maps the 'time geography' of shifting identities in the New Economy. It addresses the gendered conditions of the new data outsourcing agent: the online working woman, who is the quintessential 'digital proletarian' of the 21st century. The artist duo Bureau d'études from Paris conceives gigantic maps that disclose an increasingly interconnected network of data-gathering systems involving the military, energy and biochemical sectors as well as the entertainment, information and social surveillance systems. Their pictographic installation World Monitoring Atlas transfers the 'politics of space' to an abstract level. The Milan based collective multiplicity proposes Case 01 and 02 of their ongoing Solid Sea project on the nature of the Mediterranean and the fluxes that cross it. [...]

Aedes East,
Rosenthaler Str. 40-41,
Hackesche Höfe, Hof II,
10178 Berlin
tel: +49 30 282 7015
fax: +49 30 283 914 66
aedes@baunetz.de
http://www.aedes-arc.de/

The exhibition presents eight years building activity of the Austrian architecture office Baumschlager-Eberle. Not only numerous realized projects, also competitions and limited invited competitions have made the office internationally well known. From regional to large international projects, the different scales of architecture will be introduced. Next to the realized, also the projects, which were not built are displayed. The different tasks of construction exhibited next to each other point above all at Baumschlager-Eberle's concern to understand the principles characterizing the location of the respective project. Baumschlager-Eberle understand to combine the cultural continuity of cities and landscapes with the highest level of quality and comfort. They manage to close the ever present gap between architectural language, the structure of city landscape and the actual architecture. Aedes presents different projects such as Münchener Rückversicherung (Munich), Airport Vienna (Vienna-Schwechat), Oosterdokseiland Amsterdam (Amsterdam), Räffel Park (Zurich), Wohnen am Lohbach housing (Innsbruck) and Sirch (Böhen). The exhibition consists of plans, models and the extensive photographic documentation by Eduard Hueber.

Institute of Contemporary Art
University of Pennsylvania
118 S. 36th St.
Philadelphia
PA 19104-3289
tel: 215.898.5911
fax: 215.898.5050
info@icaphila.org
http://www.icaphila.org/

Guest curated by the architect and theorist Greg Lynn, this exhibition includes works by artists, designers, and architects that reflect an emerging sensibility Lynn has labeled "Intricacy." This notion refers, in the abstract, to a new visual and spatial language of folding, interweaving, and layering -- parts relating to wholes -- that has been heralded by the digital and genetic engineering revolutions. Intricacy announces a gestalt of production: not just CAD-CAM drawings for architects or digital video for artists, but a new way of thinking about the inter-relation of concepts and techniques on an abstract, holistic scale. This exhibition synthesizes a vast geography of ideas and practices drawn from many disciplines and cultural fields. Lynn will design the exhibition's display framework and a central installation. Akin to mid- and late-century machine and material design exhibitions, Intricacy will create an experimental environment through which visitors can walk and physically experience the art and architecture. Participants include artists Bonnie Collura, Chris Cunningham, Tom Friedman, Adam Fuss, Fabian Marcaccio, Roxy Paine, David Reed, and James Rosenquist; architects Karl Chu, Peter Eisenman (Eisenman Architects), Farshid Moussazi and Alejandro Zaera-Polo (Foreign Office Architects, Ltd.), Preston Scott Cohen, Jesse Reiser and Nanako Umemoto (Reiser + Umemoto), Wolf Prix (Coop Himmel(b)lau), and Nader Tehrani (Office dA).

Netmage
Festival Internazionale - 3a Edizione
Xing
infopoint Raum
Via ca'Selvatica 4d
Bologna
tel: 051.331099 - 051.352330
http://www.xing.it/
http://www.netmage.it
info@netmage.it

In occasione di Arte Fiera, Xing presenta a Bologna la terza edizione di Netmage, festival internazionale dedicato ai live media e alle nuove tendenze della produzione creativa elettronica e digitale. Il termine 'live media' sta a indicare un insieme di modalità performative basate sull'uso di dispositivi di emissione visiva e sonora in relazione all'evento dal vivo. Netmage 03 vedrà alternarsi in un'inedita competizione autori mixed-media, vjs, musicisti e performers dall'Europa e USA. Un osservatorio privilegiato sulle trasformazioni nel campo del multimedia design, dell'immagine e dello styling contemporaneo. Un dispositivo scenografico multiscreen, appositamente progettato, permetterà la visione di materiali audiovisivi originali e realizzati ad hoc per il contest internazionale di live media & video-jing, disciplina in cui fonti visive create per web, CD rom, dvd, videografica televisiva vengono performate dal vivo. Prosegue la partecipazione produttiva di Diesel Italia che ha istituito il Netmage Diesel Award, e sarà conferito, al termine del live media contest, al migliore team o autore. Negli spazi della sede del festival, presso Raum, nel centro di Bologna, resta aperta in parallelo un'area attrezzata Netmage à la carte in grado di consentire, su richiesta, una visione più attenta di repertori originali, fonti, referenze e produzioni varie degli ospiti selezionati tramite il bando o direttamente invitati dallo staff di Netmage. Netmage 03 è ideato e realizzato da XING, un network culturale attivo fra Bologna, Milano, Roma, Parigi. Xing progetta, organizza e sostiene eventi, produzioni e pubblicazioni contraddistinti da uno sguardo interdisciplinare intorno ai temi della cultura contemporanea, con una particolare attenzione alle tendenze generazionali legate ai nuovi linguaggi.

ON AIR
studio.eu

Sede da Ordem dos Arquitectos
Travessa do Carvalho n°23
Lisboa
tel: 00351 213241161

http://www.studioeu.net

Lo studio.eu con sede a Berlino, è stato fondato nel giugno 2000 da tre architetti italiani: Paola Cannavó, Maria Ippolita Nicotera e Francesca Venier. Centrale, nel lavoro dello studio.eu, il rapporto tra architettura e paesaggio ed il ruolo che il paesaggio può assumere non solo nelle trasformazioni urbane, dove questo diventa elemento strutturante dei processi di trasformazione (multiple anger - concorso internazionale, Herzogenaurach 2002: 4°premio, Cottbus-Ostsee concorso internazionale, Cottbus 2001: 1°premio) ma anche nel progetto architettonico, nell'integrazione e compenetrazione di interno ed esterno (bolla di fantasia progetto per una serra nel Parco degli Amici di Pinocchio, Collodi 2001-2002) come pure nella sua completa astrazione (infospazio DARC concorso ad inviti, Venezia 2001: 1°premio). Numerose sono le idee elaborate: quante di queste riusciranno a diventare un progetto realizzato? L'allestimento mette in mostra proprio questa situazione di "sospensione". I progetti non realizzati, sono "on air", sono sospesi, leggeri, vivono sulla carta, lontani anche dalla materialità delle pareti. Ma quando questi si realizzano cambiano, diventano materia. Cambia quindi anche la loro rappresentazione. Essendo ora spazi vissuti diventano qui nell'esposizione immateriali, raggi di luce che proiettati sulle pareti ripropongono l'immagine di una realtà che è altrove. La mostra fa parte del ciclo di mostre “Sala de Projecto" organizzato dall'ordine degli architetti portoghese. [...]

Super-ficial: The Surfaces of Architecture in a Digital Age

New Museum of Contemporary Art
583 Broadway
New York
NY 10012
tel: 212-219-1222
fax: 212-431-5328
newmu@newmuseum.org
http://www.newmuseum.org

The exhibition includes recent architectural projects that propose unique solutions for the surfaces of varied sites and structures. With computer animation programs like Alias and Maya, along with computer-aided manufacturing and rapid prototyping processes, architects are finding new uses for and definitions of surface-deepening and complicating our notions of what surface is and what it does. Inspired in part by current discussions around contemporary architecture's capacity to expand dichotomies such as inner/outer, structure/surface, ephemeral/material, and utility/decoration, Super-ficial: The Surfaces of Architecture in a Digital Age offers a sampling of ways technology has lent itself to architectural innovation, rendering the superficial more complicated than possible ever before. Projects by dbox, Jurgen Mayer H., Michael Silver and Peter Testa Architects are on display.

la galerie d’architecture
11 rue des blancs manteaux
75004 paris
tel: +33 1 49 96 64 00
fax: +33 1 49 96 64 01
http://www.galerie-architecture.fr
mail@galerie-architecture.fr

informazioni:
BTuA / Véronique Descharrières
tel: 01 53 01 90 70 -
fax: 01 53 01 90 79
v.descharrieres@tschumi.com

Le 28 mars 2001, Le Bureau International des expositions (BIE) retient la candidature de la France pour l’Exposition Internationale de 2004 sur le thème « image-Images ». La France n’a pas accueilli de manifestation de cette envergure depuis 1937. A l’issue d’un concours, BTuA / Bernard Tschumi Urbanistes Architectes, est retenu pour assurer la Maîtrise d’œuvre générale du site (51 ha) ainsi que la réalisation de certains bâtiments. L’exposition à la galerie d’architecture propose un concentré des principales étapes de l’Exposition Internationale 2004 qui restera virtuelle puisque le projet a été annulé cet été. Plus qu’une exposition, il s’agit d’une installation qui met en scène la production de l’agence pour le projet de l’Exposition Internationale 2004. A travers des projections le visiteur pourra découvrir les différentes étapes de la génèse du projet et se plonger dans son univers.

Torre aragonese di Porta Terra
Alghero

Informazioni:
Facoltà di Architettura di Alghero
Dipartimento di Architettura e Pianificazione
fax: 079/9720420
architettura@uniss.it
http://www.uniss.it/facolta/architettura

José Antonio Coderch de Sentmenat (1913-1984) è una delle figure più significative dell’architettura spagnola contemporanea. Una figura laterale, al margine delle grandi correnti dell’architettura moderna del secondo dopoguerra, il cui lavoro, meticoloso e paziente, portato avanti con coerenza nel tempo, attento agli stimoli della contemporaneità ma anche alla tradizione della disciplina, si distingue per la ricchezza dei risultati raggiunti e la profondità del pensiero teorico che lo accompagna. La mostra promossa dal Col.legi d’Arquitectes de Catalunya e dal Ministerio de Fomento e curata da A. Pizza e J.M. Rovira costruisce una retrospettiva delle opere progettate dell’architetto tra il 1940 e il 1964, evidenziando un percorso evolutivo complesso e per molti aspetti ancora da scoprire. Sono esposti più di sessanta lavori, presentati attraverso riproduzioni di schizzi, disegni e fotografie, accompagnati da pannelli esplicativi che evidenziano i passaggi più importanti della riflessione di Coderch sul progetto e sull’architettura. Il Catalogo spagnolo edito da Actar (Barcelona 2000) è disponibile anche, in versione ridotta, in italiano (Mandragora, Firenze 2002).

Biblioteca Nazionale Centrale di Roma
Viale Castro Pretorio, 105
Roma

Informazioni:
tel: 06 4989225
aalici@libero.it
http://www.darc.beniculturali.it/news/aalto.html

Da Viipuri a Mount Angel, dalla Finlandia al Wisconsin, ventuno progetti di luoghi e spazi per la lettura illustrati da schizzi e disegni originali, modelli e fotografie provenienti dagli archivi Alvar Aalto di Helsinki consentono di ripercorrere l'intera opera del maestro finlandese nell'arco di cinquant'anni, tra il 1924 e il 1974. La mostra, prodotta dal Museo Alvar Aalto di Jyväskylä in collaborazione con la Haute Ecole d’Arts Appliqués di Ginevra e la Biblioteca delle Nazioni Unite di Ginevra, mette in rilievo la centralità dell’uomo nel progetto aaltiano a cui tutto è commisurato, a partire dal rapporto con il contesto, all’articolazione degli spazi interni e all'invenzione della 'fossa di lettura', alle ricerche sull'illuminazione naturale e artificiale e sull'acustica per il massimo comfort dell'utente, fino al disegno dell'arredo fisso e mobile. Essa mostra anche il rapporto profondo di Alvar Aalto con la lettura e con l'architettura della biblioteca, non un edificio culturale come un altro ma 'il luogo di incontro tra gli uomini e i libri'.

arc en rêve centre d'architecture
7 rue Ferrère
33000 Bordeaux
France
tel: +33 (0)5 56 52 78 36
fax: 33 (0)5 56 48 45 20
info@arcenreve.com
http://www.arcenreve.com/

Le projet « New trends of architecture in Europe and in Japan » a été initié en 2001 par la galerie Art Front, à Tokyo, et les services culturels de certaines ambassades européennes au Japon. Le projet a pour but essentiel de développer une coopération culturelle de qualité entre le Japon et les pays de l’Union, à travers la promotion de la jeune création et des savoirs-faire urbanistiques et architecturaux. La version 2002 du projet met, de nouveau, en scène la création architecturale contemporaine européenne et japonaise. La sélection des architectes pour cette seconde édition du projet a été effectuée par Bob van Reeth (architecte/Belgique), Alejandro Zaera-Polo (architecte/Londres, Agence F.O.A) et Toyo Ito (architecte/Japon), elle réunit quinze architectes européens et cinq architectes japonais.

Reality Machines
Mirroring the Everyday in Contemporary Dutch Architecture, Photography and Design

Netherlands Architecture Institute
Museumpark 25
3015 CB Rotterdam
Netherlands
tel: +31(0)10-4401200
fax: +31(0)10-4366975
http://www.nai.nl/

The Netherlands Architecture Institute presents the works of contemporary Dutch architects, industrial and graphic designers, photographers and fashion designers. Viewers are shown that just about everything in life is artificial. The resulting images and objects are easily recognized for what they are, but on closer examination prove to deviate from conventions in various subtle ways. The designs presented in 'Reality Machines' pose questions about the distinction between the real and the unreal, and about the artificiality of our daily surroundings. 'Reality Machines', containing designs from the mid 1990s to the present, demonstrates that a fascination with estrangement exists in a variety of design disciplines. This is made clear by contributions from both designers in various fields and photographers, including those with both familiar names and less well-known ones. The unconventional display system was conceived to match this flexibility and the diversity of the materials. The Main Hall of the NAI has been converted into a space resembling a convention hall, with a false ceiling and carpeting. The objects and images in the exhibition are suspended from a rail system by near-invisible wires. The system is motor-driven and propels the object slowly through the space. This spatial design is a direct reflection of the exhibition concept - a reinterpretation of everyday normality. All the designers represented in 'Reality Machines' work with a similar conceptual design approach. [...]

Mariko Mori
WAVE UFO

Kunsthaus Bregenz
Karl Tizian Platz
A-6900 Bregenz
tel: ++43 5574 48594-0
fax: ++43 5574 48594-8
kub@kunsthaus-bregenz.at
http://www.kunsthaus-bregenz.at/

"Wave UFO" is a dynamic sculptural form that hovers on the border between large-scale sculpture and bio-amorphous architecture. As a futuristic version of an integral work of art, it offers participants a multi-faceted experience involving physical, mental, and aesthetic perception. The visitors participate in the artist's conceptions of interconnected dream worlds. In a capsule within a huge architectural sculpture of whale-like proportions (approx. 5 x 11 x 5 m), which can only be accessed via a staircase, three people can recline in seats for seven minutes. The images projected on the dome screen of the capsule are generated by a kind of interactive bio-feedback loop that reads the brainwaves of the participants. In a computer-animated video projection, Mori sends the "travelers" on a trip to a spiritual cosmos. The concept of the work is based on the idea that all things in this world are interconnected. This should convey to the audience the vision of a "newer" world, a world in which man appears to have overcome all cultural barriers. In addition to "Wave UFO," Mariko Mori shows paintings and drawings that seem like formations from outer space or the visualization of enlightenment. Moreover, Mori has also created a series for the Kunsthaus which consists of sculptures of alien-like figures. Thus, the utopian dream expressed here does not only tie Mori to the historical desire for a unity beyond national identities, but also reflects her identity as a Japanese woman. This complex work, custom-built in Turin in an automobile factory, is presented to the public for the first time.

30 years in 30 works of 30 artists
A short history of Dutch Video Art

Gate Foundation
Lijnbaansgracht 322-323 bg
1017 XA Amsterdam
The Netherland
tel: +31 (0)20 6208057
fax: +31 (0)20 6390762
http://www.gatefoundation.nl/
Info@gatefoundation.nl

At a time when 'foreigners' and cultural diversity have become the centre of cultural and political discussions in The Netherlands and Europe, it has become a fundamental cultural task to acknowledge the achievements and the contribution of these artists to the mapping and creation of an artistic field over 30 years. The history of Dutch video art cannot be understood, nor explained, without the contribution of artists from a diversity of cultural backgrounds living and working in The Netherlands. They contributed largely to artistic life in The Netherlands, producing works in which new questions and issues, unexpected perspectives and unusual discourses became established. In enlarging both the subject and the content, they brought new sensibilities to the Dutch artistic arena. The programme includes numerous landmarks in the development of Dutch video art by Marina Abramovic and Ulay, Miguel-Angel Cardenas, Ulises Carrión, Claudio Goulart & Flavio Pons, Raul Marroquin, Nan Hoover, David Garcia and Annie Wright, Elsa Stansfield & Madelon Hooykaas, Heiner Holtappels and Christina Linaris-Corridou; as well as more recent works by Babak Afrasiabi, Tiong Ang, Dan Oki, Nasrin Tabatabai and others. Together with the exhibition, three audio-visual historical documents made in the 1980s will be presented concerning the question of artists of diverse cultural backgrounds working and living in the country.

Loris Cecchini
"Monologue Patterns"

Galleria Continua
Via del castello, 11
53037 San Gimignano (SI)
tel:+39.0577.943134
fax: +39.0577.940484
info@galleriacontinua.com
http://www.galleriacontinua.com/

La mostra è costituita da lavori recenti di Cecchini. Il titolo rimanda alla progettazione di spazi architettonico-scultorei caratterizzati differentemente tramite soggetti e materiali eterogenei che si sviluppano nello spazio con modalità diverse: interni di automobili, ambienti deformati e fotografie di piccole architetture trasparenti, sono i soggetti di questa mostra, che si configura come una sorta di esercizio di architettura. "Densityspectrumzones" è un doppio ambiente costituito da strutture in alluminio, pvc e una speciale pellicola lenticolare 3M, che creano una deformazione continua dello spazio, sia nella sua conformazione strutturale, sia nelle sue qualità di superficie. Nella stessa direzione, una nuova serie di fotografie elaborate digitalmente nel linguaggio usuale di Cecchini: immagini di esterni ricostruiti in uno studio fanno da fondo ad una serie di piccole architetture, involucri e strani spazi, tutti caratterizzati dalla trasparenza e dalla loro collocazione in paesaggi spogli e desertici in cui la presenza umana viene ridotta al minimo. L'atmosfera che ne deriva, si riferisce direttamente al titolo generale: "strutture di monologo", che mette in scena una sorta di isolamento psicologico dei personaggi, di una distanza fra questi e il mondo. E ancora, nei piccoli spazi della galleria, un' installazione di nuove porte replicate in gomma va a costruire una sorta di dedalo claustrofobico, strutturato tramite la presenza di porte singole e doppie ottenute mediante calco dell'originale e successiva replica in gomma uretanica: i vari modelli e caratteri delle porte, o meglio i "fantasmi" di queste, vanno a suddividere l'ambiente in piccole porzioni, dando luogo ad una sorta di continuum di passaggi, in un alternarsi di ingressi e uscite, complicando ulteriormente la conformazione originale degli spazi.

Disegnando

Galleria Continua
Via Arco dei Becci, 1
53037 San Gimignano (SI)
tel:+39.0577.943134
fax: +39.0577.940484
info@galleriacontinua.com
http://www.galleriacontinua.com/

La mostra è una collettiva che vede l'esposizione di due opere ciascuno di quattordici importanti artisti italiani e stranieri, vuole porre in evidenza come, anche nell'arte contemporanea, la progettualità di un'opera installativa o plastica, nasce pur sempre dal disegno, che continua ad essere una fase importante della creatività di un'artista. Gli artisti presentati, sono lontani fra loro, nell'uso dei materiali e dei linguaggi artistici, ma sicuramente vicini nell'uso del disegno come momento di riflessione.
Artisti:Atelier Van Lieshout, Vincenzo Cabiati, Marco Cingolani, Berlinde De Bruyckere, Cai Guo Qiang, Ilya Kabakov, Surasi Kusolwong, Sol Lewitt, Sabrina Mezzaqui, Panamarenko, Luca Pancrazzi, Bruno Peinado, Alessandro Pessoli, Hannsjörg Voth.

A Civilian Occupation
The Politics of Israeli Architecture

Storefront for Art and Architecture
97 Kenmare Street
New York NY 10012
tel: 212.431.5795
info@storefrontnews.org

Throughout the last century, a different kind of warfare has been radically transforming the landscapes of Israel and Palestine. In it, the mundane elements of planning and architecture have been conscripted as tactical tools in the Israeli state strategy, seeking national and geo-political objectives in the organization of space. The relationship between the landscape and the Israeli/Palestinian conflict is symbiotic. The terrain dictates the nature, intensity and focal points of confrontation; while the conflict itself is manifested most clearly in the processes of transformation, adaptation, construction and obliteration of the landscape and the built environment. The landscape becomes the battlefield in which power and state control confront subversive and direct resistance. In an environment where architecture and planning are systematically instrumentalized as the executive arms of the Israeli State, planning decisions do not often follow criteria of economic sustainability, ecology or efficiency of services; rather, they are employed to serve strategic and political agendas. Space becomes the physical embodiment of a matrix of forces, manifested across the landscape in the construction of roads, hilltop settlements, development towns and garden-suburbs. Architecture is presented as a political issue­the material product of politics itself­illustrating the spatial dimension of the Israeli/Palestinian conflict.

INprogress

Netherlands Architecture Institute
Museumpark 25
3015 CB Rotterdam
Netherlands
tel: +31(0)10-4401200
fax: +31(0)10-4366975
http://www.nai.nl/

INprogress is the first in a series of exhibitions dedicated to experimental architecture, held in the Upper Room of the Netherlands Architecture Institute (NAI). The series includes varied exhibitions which will highlight trends and fascinations among designers. The Upper Room exhibitions will explore the borderlands between the different design disciplines. INprogress showcases ideas being generated among twelve architecture firms concerned with redefining issues of space and how it is experienced. The twelve firms featured by the NAI are: Atelier Kempe Thill, Blue Architects, Studio Sputnik, Onix, Krill, The Maze Corporation, Urban Affairs, Artgineering, Paul Toornend, CeeS-B architects, casanova + hernàndez architecten and Monolab.

EXMA'
Centro comunale d'arte e cultura
via San Lucifero 71
Cagliari
tel: 39 070 666399
sirai@tiscali.it

In occasione del centenario della nascita, dal 15 febbraio al 15 maggio 2003 si svolge a Cagliari un ciclo di manifestazioni sull'opera di Adalberto Libera. La mostra si articola in due sezioni. Nella prima si presenta una sintesi della parte più conosciuta della produzione di Libera, compresa nel periodo tra le due guerre e relativa ai progetti realizzati. Viene inoltre mostrata una selezione della sua produzione pittorica e grafica, che ha accompagnato soprattutto il primo periodo della sua carriera. Nella seconda parte si affronta la sperimentazione progettuale del dopoguerra, periodo molto prolifico nell’attività dell’architetto, ma meno conosciuto e riconosciuto, che vede invertire e declinare la sperimentazione razionalista verso un percorso di riflessione sul tema del rapporto fra architettura e società. Si propongono ed analizzano gli interventi dell’architetto nella città di Cagliari partendo dai quali si avvia una lettura critica su tematiche progettuali e linguistiche della ricerca del dopoguerra, rintracciate negli esempi più noti della produzione progettuale nazionale ed internazionale dell’autore. L'esposizione, che presenta oltre 600 pezzi, in buona parte inediti, comprende circa 230 tra disegni e fotografie provenienti dal Centre Pompidou di Parigi. Sono inoltre esposti 5 plastici, due relativi alle opere cagliaritane realizzati dal Dipartimento di Architettura ed altri tre provenienti dal MART- Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto; la mostra è arricchita dalla proiezione di alcuni filmati di immagini d'epoca realizzati dal Centre Pompidou.

Triennale di Milano
viale Alemagna, 6
Milano
tel: +39 02 724341
fax:+39 02 89010693
http://www.triennale.it

La mostra si configura come una delle più importanti esposizioni monografiche dedicate al grande architetto milanese (più di 400 oggetti tra mobili, disegni, quadri, libri, progetti, plastici, riviste), esposizione che per volontà della Regione Lombardia giunge alla Triennale di Milano, dopo essere stata presentata a Londra e a Rotterdam. La particolarissima figura di Gio Ponti viene in questa mostra tratteggiata nella sua interezza e complessità attraverso la continua giustapposizione di architettura, arredamento, design ed arti decorative. Si aggiunge il costante riferimento all’attività di critico militante, così come alla personale passione per la pittura. A tali risultati la mostra perviene attraverso un corpus notevolissimo di opere originali e di disegni autografi provenienti in parte dagli archivi della famiglia Ponti e in parte da prestigiose collezioni private e pubbliche europee. Ne risulta da un lato la capacità senza uguali di Gio Ponti di passare da una scala progettuale all’altra raggiungendo, in ognuna di esse, risultati figurativi altissimi, dall’altro l’incredibile tensione creativa che porta l’architetto milanese a rinnovare sostanzialmente il suo linguaggio ogni decennio, per ben sette decenni. In questo senso, e certo non solamente per motivi cronologici, Ponti giunge a rappresentare l’intero secolo appena trascorso.

Ospedale degli Innocenti
Salone Brunelleschi
piazza SS. Annunziata
Firenze

Per informazioni:
M. Cristiana Costanzo
Ufficio Stampa della Mostra
Via del Babuino, 51
00187 Roma
tel: 06 36713417
cell: 333 2683341
fax: 06 32651957
mccostanzo@yahoo.it

Norman Foster e Arup, Arata Isozaki, Santiago Calatrava, Carlos Ferrater, Francesco Cellini, Foreign Office Architects, G.M.P., Gruppo Toscano, Zaha Hadid, Ricci & Spaini sono i dieci architetti e studi di architettura che hanno partecipato alla selezione finale, vinta da Norman Foster, del concorso bandito da TAV- società del Gruppo Ferrovie dello Stato - per la progettazione della nuova stazione di Firenze che accoglierà i treni ad alta velocità. Secondo classificato è risultato il giapponese Isozaki, terzo lo spagnolo Calatrava. In mostra a Firenze, oltre al progetto vincitore, scelto da una giuria composta da Gae Aulenti, Pio Baldi, Gianni Colantoni, Francesco Dal Co, Carlo De Vito, Josef Paul Kleihues, Stefano Reggio, Jan Sondergaard e Marco Tamino, saranno esposti i progetti di tutti i partecipanti. La nuova Stazione – per la quale partiranno i lavori nel 2005 e termineranno nel 2009 - sorgerà nell’area di Belfiore, si svilupperà su una superficie di oltre 45.000 metri quadrati e prevede un investimento di circa 240 milioni di euro. Il complesso, che darà accesso ai 7 chilometri di linea sotterranea ad alta velocità che attraverserà Firenze, è destinato a diventare il principale nodo di interscambio cittadino e regionale e sarà collegato alla stazione di Santa Maria Novella e al centro storico di Firenze da una nuova linea tranviaria e dai treni metropolitani di superficie. Allestimento di Gae Aulenti e direzione scientifica di Francesco Dal Co.

Mattew Barney
The Creamaster Cycle

Guggenheim Museum
1071 Fifth Avenue
New York NY 10128
tel: 212 4233840
fax: 212 4233787
http://www.guggenheim.org/
publicaffairs@guggenheim.org

http://www.cremaster.net/

Matthew Barney's epic Cremaster cycle (1994–2002) is a self-enclosed aesthetic system consisting of five feature-length films that explore processes of creation. The cycle unfolds not just cinematically, but also through the photographs, drawings, sculptures, and installations the artist produces in conjunction with each episode. Its conceptual departure point is the male cremaster muscle, which controls testicular contractions in response to external stimuli. The project is rife with anatomical allusions to the position of the reproductive organs during the embryonic process of sexual differentiation: Cremaster 1 represents the most "ascended" or undifferentiated state, Cremaster 5 the most "descended" or differentiated. The cycle repeatedly returns to those moments during early sexual development in which the outcome of the process is still unknown—in Barney's metaphoric universe, these moments represent a condition of pure potentiality. The exhibition fills the museum in a site-specific installation designed by the artist to encapsulate the five-part cycle, combining all its varied components into one cohesive whole. The 35-mm films, which are screened daily in the Peter B. Lewis Theater, are also shown on monitors throughout the installation to foreground the fundamental interrelationship between sculpture and the moving image in Barney's practice. [...]

SEGNALI URBANI
Mostra per il progetto del centro storico di Mestre

Centro Culturale Candiani
Piazzale Candiani n. 7
30174 Venezia - Mestre
tel: 041 2386111
fax: 041 2386112
http://www.comune.venezia.it/candiani
candiani@comune.venezia.it

La mostra, organizzata dall' Assessorato all'Urbanistica, rappresenta un importante momento di confronto per la città in una fase in cui il progetto, già elaborato in forma compiuta, è in attesa della stesura finale. Dal dibattito che solleverà l’esposizione di un progetto così cruciale per l’assetto futuro della città, ci immaginiamo possano anche emergere suggerimenti o problematiche riguardo alle tematiche urbane sollevate. L’esposizione non deve descrivere un progetto “chiuso” e in qualche modo imposto alla città, bensì dare l’idea di un progetto “ancora aperto” che apre il confronto su una serie di idee per la trasformazione del centro cittadino. La Variante del Centro Storico di Mestre non si presenta come uno strumento urbanistico sviluppato in modo tradizionale, ma è composta da una serie di progetti, svolti nelle aree più cruciali della città, rappresentati attraverso immagini molto fisiche (principalmente fotomontaggi e viste tridimensionali) che annunciano, come segnali urbani, il cambiamento della città. Tali progetti non si collocano nella città in maniera indipendente l’uno dall’altro ma componendo un complesso mosaico urbano che stabilisce forti relazioni anche con lo spazio esistente[...]

Living Inside The Grid

New Museum of Contemporary Art
583 Broadway
New York
NY 10012
tel: 212-219-1222
fax: 212-431-5328
newmu@newmuseum.org
http://www.newmuseum.org

This groudbreaking exhibition of twenty-five international artists, many of whom have created new works for it, explores the myriad ways in which our lives intersect with the grid. Using the lobby, stairwells, and mezzanine along with both main galleries, Living Inside the Grid explores how artists around the world are redefining the grid, one of the most significant motifs of 20th century art, as a real habitable place. In his first group exhibition since becoming New Museum Senior Curator in 1995, Dan Cameron explores the world of the grid as artists envision it - through architecture and urban studies, media, film and art history, aviation and satellite technology and the omnipresent, recent breakthroughs in telecommunications. The works on view cover a broad range of media, including drawing, sculpture, photography, design, video, installation and interactive media.

New Ocean
Doug Aitken

Fondazione Sandretto Re Rebaudengo
Via Modane 16
Torino
tel: 011 19831616
info@fondsrr.org
http://www.fondsrr.org

Prodotto dalla Fondazione Sandretto Re Rebaudengo in collaborazione con la Serpentine Gallery di Londra, New Ocean è il grande progetto multimediale realizzato dall'artista californiano Doug Aitken. Definita dallo stesso artista "a shifting exhibition" cioè una mostra in continuo cambiamento, è un lavoro sul "trascendere i confini". Il visitatore si trova immerso in un viaggio al limite tra la realtà e l'immaginazione, tra universi acquatici e peregrinazioni suburbane. Cammina fisicamente attraverso una sequenza di scene, come attraverso un'opera teatrale. Quattro le opere video che fanno da fil rouge nell'unica grande installazione: New Ocean Cycle filmato in Argentina ed al Circolo Polare Artico; Interiors che indaga sulla solitudine nelle città, Thaw (Disgelo), New Machines e New Ocean Floor, una narrazione incrociata attraverso deserti e città abbandonate. Con quest'opera Aitken richiama alla mente uno scenario apocalittico che si alterna tra le distese di ghiaccio che si sciolgono, le masse d'acqua blu scuro e le vedute del sole cocente. Nelle sue installazioni Aitken associa video, fotografia e suono nel tentativo di creare un modello di narrazione non-lineare e un nuovo spazio di fruizione a tre dimensioni, abbinando il suono ai nuovi media - video, film, fotografia - e creando un mondo sensoriale che avvolge lo spettatore a 360 gradi, in una forma di comunicazione pura. I temi che predilige riguardano la natura e la civilizzazione, gli esseri umani e i loro rapporti con lo spazio e il tempo: città-fantasma, deserti urbani in cui ambienta la solitudine dell'uomo come risultato di eccesso di informazione e di comunicazione. Presentata nel 2001 alla Serpentine Gallery di Londra e lo scorso anno all'Art Gallery Opera City di Tokyo e alla Kunsthaus Bregenz in Austria, è stato progettata nuovamente per gli spazi della Fondazione.

Triennale di Milano
viale Alemagna, 6
Milano
tel: +39 02 724341
fax:+39 02 89010693
http://www.triennale.it

La mostra, curata da Mirko Zardini, presenta un nuovo punto di osservazione sulla città e il territorio contemporaneo. La comprensione dell’ambiente fisico in cui viviamo non è infatti legata soltanto alle grandi ideologie urbanistiche, ma anche alla presenza di fenomeni, elementi e materiali apparentemente banali e trascurabili. L’asfalto è uno di questi. A questo materiale non prestiamo ormai molta attenzione, abituati come siamo a calpestarlo (o percorrerlo con i più diversi mezzi) quotidianamente. Eppure uno sguardo ravvicinato a questa superficie il più delle volte grigia ci permetterebbe di scoprire storie, tecniche, narrazioni e problemi del tutto inaspettati, restituendo così uno spessore (storico, tecnico, culturale, visivo) a quello che comunemente si considera una “pellicola” poca amata, ma necessaria. La mostra si propone di sostituire ai luoghi comuni tradizionalmente associati all’asfalto una diversa percezione di questo materiale, che costituisce per la città moderna e contemporanea ciò che il calcestruzzo armato, il ferro e il vetro hanno costituito per l’architettura moderna. Attraverso la descrizione delle sue caratteristiche, la storia del suo rapporto con la città a partire dalla sua apparizione nella Parigi e nella Londra del primo Ottocento, il racconto della sua mitizzazione come materiale ideale o come il nemico della città storica e dell’ambiente, la rappresentazione della sua presenza nel nostro mondo quotidiano nei luoghi e nelle forme più inaspettate, la mostra non intende solo sfatare un luogo comune, ma raccontare la complessità e la varietà dei problemi della città e del territorio contemporaneo. L’asfalto è ormai parte integrante della nostra immagine della città, e del nostro stesso immaginario. Non possiamo più sfuggirgli: ci mancherebbe la terra sotto i piedi.

> SOPRALLUOGHI
> FILES

IODACC Tenerife
Projekt von Herzog & De Meuron

Aedes East Forum
Rosenthaler Str. 40-41,
Hackesche Höfe, Hof II,
10178 Berlin
tel: +49 30 282 7015
fax: +49 30 283 914 66
aedes@baunetz.de
http://www.aedes-arc.de/

The project for the new IODACC headquarter building has been designed by the architect studio Herzog & de Meuron. It will be a large cultural complex of over 20,000 sqm that is to be shared among the IODACC, the Island Centre of Photography and the Island Library of Tenerife. Work begun in December 2002 and will prospectively end in 2005. The Instituto Óscar Domínguez de Arte y Cultura Contemporánea was created in 1995 through an initiative by the Island Council of Tenerife with the aim to operate as an international centre of contemporary art with a regard for the peculiarities of the land in which it is located, as well as its cultural background. The IODACC is an institution devoted to the study, dissemination and creation of contemporary art and culture. Its objectives are to turn Tenerife into a meeting point for all forms of art that currently exist and to disseminate modern Canary Island art.

Clorindo Testa
l'architettura animata

Ex cotonificio di Santa Marta
aula P
Dorsoduro 2196
30123 Venezia
http://brezza.iuav.it/dpa/

Curves and Spikes
Peter Cook/Colin Fournier und Klaus Kada Kunsthaus und Stadthalle für Graz

Aedes East
Rosenthaler Str. 40-41
Hackesche Höfe, Hof II
10178 Berlin
tel: +49 30 282 7015
fax: +49 30 283 914 66
aedes@baunetz.de
http://www.aedes-arc.de/

The city of Graz in Steiermark, Austria, has been chosen as cultural capital of Europe for 2003. On this occasion, a number of significant architectural projects, art installations and events have been planned in the city. This exhibition at the Aedes West gallery in Berlin focuses on two of the major and most radical architectural projects: the new museum of Modern Art, which was the object of an international design competition won by the London architects Peter Cook and Colin Fournier, and the Stadthalle designed by the Graz architect Klaus Kada. The Kunsthaus is currently under construction and will be opened on the 23rd of September 2003. The Stadthalle was opened on the 6th of October 2002. These two projects make unexpected bed fellows in that they are in complete contrast not only in terms of programme and but mostly in terms of their design philosophy: the Kunsthaus is a biomorphic project conceived as a smooth bulbous volume of continuous double curved surfaces, while the Stadthalle is distinguished by a slender spiky roof cantilevered high above the street. The playful aesthetic tension between these two extreme designs, at this interesting and provocative point in history when the architectural envelope is being pushed in many contradictory directions, provides the dominant conceptual and visual theme of the exhibition, which also offers an overview of some of the other key design projects recently completed in the city.

John Cage.
Il silenzio della musica

MART
Corso Bettini 43
38068 Rovereto TN
Infoline 800-397760
tel: 0464 438887
fax: 0464 430827
info@mart.trento.it
http://www.mart.trento.it/

John Cage è uno tra i più emblematici protagonisti dell'evoluzione musicale del XX secolo. Emanuel Dimas de Melo Pimenta, architetto, fotografo, scrittore e compositore dal 1980 fino al giorno della scomparsa, ha avuto un costante rapporto umano e un intenso lavoro con il maestro americano e tutt'oggi collabora in diversi paesi nel mondo nelle straordinarie rappresentazioni del coreografo Merce Cunningham che per lungo tempo ha lavorato con John Cage. Al primo piano del MART un allestimento particolare riporta gli odori della sua arte culinaria... la natura.....i famosi funghi.. cactus... sassi...il gorgoglio dell'acqua che scorre tra i tubi di metallo intrecciati.. il gatto nero sopravvissuto...la filosofia zen....il rumore della strada...e poi il silenzio... il silenzio crea il suono e i rumori per la mia musica (J.C.) E' il loft di John Cage, teatro visibile ed invisibile tra la 18th street e la 6 avenue di New York. Le parole di Cage si intrecciano con la danza dell'amico Cunningham, mentre la voce rauca di Bob Rauschenberg, si confonde con le discussioni notturne di Jasper Johns, Frank Stella, Tudor e Schoenberg, Anastasi, Dove Bradshaw, Laura Kuhn e ancora e poi ancora... La musica, stridente e altisonante, del cd- 18/6- Il silenzio della Musica invade l'intero spazio.

Gaudí e la natura

Università degli Studi mediterranea
di Reggio Calabria
Facoltà di Architettura
Via Melissari Feo di Vito
tel: 0965 800282 - 0965 332202-3

L'Ateneo di Reggio Calabria e la Facoltà di Architettura hanno inteso rendere omaggio all'illustre architetto catalano Antoni Gaudì (Reus 1852 -Barcellona 1926), ospitando, la mostra fotografica "Gaudì e la natura", proveniente dalla sua città natale, Reus, a pochi chilometri da Tarragona e dalle spiagge della Costa Dorada. Organizzata dalla Fototeca Municipale di Reus, la mostra presenta una serie di immagini che appartengono ai fondi della Fototeca Municipale della città e che provengono da vari lavori di ricerca svolti dalla Agrupació Fotográfica de Reus (AFR) e dalle varie edizioni dei Premi fotografici Ciudad de Reus, indetti dall'Instituto Municipal de Acción Cultural in collaborazione con l'AFR. L'intento è quello di far conoscere l'ispirazione che l'architetto traeva dalle forme naturali dell'ambiente circostante e che è alla base dei processi creativi delle sue opere. Paesaggi del sud della Catalogna che hanno ammaliato molti fotografi e che riescono a focalizzare l'attenzione dello spettatore e a portarlo dentro un universo che possiamo considerare tipico dello spazio Gaudí. La qualità eccezionale delle fotografie che fanno parte dell'esposizione coinvolge in questo gioco appassionante di scoperte nello stesso modo in cui lo ha fatto l'architetto. Sono proprio queste origini di Gaudí che si intendono rivendicare in questa mostra, in cui si evidenziano i legami tra alcune delle opere dell'architetto e i paesaggi che hanno fatto da sfondo alla sua infanzia e alla sua gioventù.

Santiago Calatrava

Kunsthistorisches Museum
Bassano Hall
Maria Theresien-Platz
1010 Vienna
http://www.khm.at

An exhibition devoted to such a hybrid figure as Calatrava in the setting of the twinned institutions, the Kunsthistorisches Museum and the Naturhistorisches Museum, offered an ideal context in which to attempt to materialize Leibniz's seventeenth century vision of once again, reuniting the Kunstkammer and the Wunderkammer, inseparably bound in the Renaissance, into a harmonious monad and thus creating a " theatrum naturae et artis." The exhibition at the Kunsthistorisches Museum presents approximately 30 of the finely crafted architectural models of bridges and buildings belonging to the renowned Calatrava collection. The selection is made on the basis of their incorporation of the bird theme. Some are static, but some are mechanically animated. In addition, the exhibition presents many watercolors by Calatrava, some of which are carried out for this show. Their theme is also the bird analogy. The curator has invited the Director of the Vogelsammlung at the Naturhistorisches Museum, Dr. Ernst Bauernfeind, to contribute a section devoted to the theme of the bird as an aesthetic and structural solution. He presents, among other things, specimens from the collection of Crown Prince Rudolph, and that are masterpieces of both nature and taxidermy. The addition of bird songs, also from the rich collection of the Naturhistorisches Museum, selected by Dr. Bauernfeind, adds to the aura of the Wunderkammer.

CARL WEIDEMEYER 1882-1976 Artista e architetto tra Worpswede e Ascona

Archivio Progetti
Cotonificio veneziano di S. Marta
Dorsoduro 2196
30123 Venezia
tel: 041/2571011
fax: 041/715788
lorena@iuav.it
http://oberon.iuav.it

La mostra è frutto della collaborazione tra l'Archivio del Moderno dell'Accademia di architettura dell'Università della Svizzera italiana e il Museo comunale d'arte moderna di Ascona. Si tratta di un'esposizione tesa a valorizzare la personalità di Carl Weidemeyer, architetto e artista poliedrico, che ha rappresentato un collegamento d'eccezione tra cultura mitteleuropea e mediterranea, imponendosi tra i promotori, in Ticino, dell'architettura razionalista che si va diffondendo negli anni Venti-Trenta in Europa. Si è ricostruito per la prima volta il percorso artistico dell'architetto tedesco, nato a Brema nel 1882, che fu membro dal 1905 della straordinaria colonia artistica di Worpswede - con Paola Modersohn Becker, Otto Modersohn, Heinrich Vogeler, il poeta Rainer Maria Rilke ed altri - e operò tra Brema e Willingen, in Germania. Nel 1927 si trasferì ad Ascona, per progettare il Teatro San Materno, un nuovo spazio teatrale "da camera". Ad Ascona rimase fino alla morte, avvenuta nel 1976. Weidemeyer non si è limitato all'architettura, ma si è dedicato con impegno al design e all'architettura di interni, alla pittura, all'illustrazione, e si è esibito come mimo e teatrante, e ad Ascona collabora con Charlotte Bara e il marionettista Jacob Flach. Un ciclo di conferenze accompagna la mostra, approfondendo il quadro generale e gli aspetti traversali entro i quali si è sviluppata l'opera architettonica di Carl Weidemeyer ad Ascona. La mostra sarà corredata da una monografia su Carl Weidemeyer, ricca di contributi di vari specialisti, co-edita dall'Accademia di architettura, dal Museo comunale d'arte moderna di Ascona e da Skira.

Stalker. ON/LIVORNO
Osservatorio Nomade

Bottini dell'Olio
viale Caprera
57100 Livorno
tel: +39 0586 820518, 820523
fax: +39 0586 820528

dalle ore 18.00

informazioni:
tel: 347 383 533

ON AIR
studio.eu

Politecnico di Torino
Facoltà di Architettura
Castello del Valentino
aula 5

http://www.studioeu.net

Lo studio.eu con sede a Berlino, è stato fondato nel giugno 2000 da tre architetti italiani: Paola Cannavó, Maria Ippolita Nicotera e Francesca Venier. Centrale, nel lavoro dello studio.eu, il rapporto tra architettura e paesaggio ed il ruolo che il paesaggio può assumere non solo nelle trasformazioni urbane, dove questo diventa elemento strutturante dei processi di trasformazione (multiple anger - concorso internazionale, Herzogenaurach 2002: 4°premio, Cottbus-Ostsee concorso internazionale, Cottbus 2001: 1°premio) ma anche nel progetto architettonico, nell'integrazione e compenetrazione di interno ed esterno (bolla di fantasia progetto per una serra nel Parco degli Amici di Pinocchio, Collodi 2001-2002) come pure nella sua completa astrazione (infospazio DARC concorso ad inviti, Venezia 2001: 1°premio). Numerose sono le idee elaborate: quante di queste riusciranno a diventare un progetto realizzato? L'allestimento mette in mostra proprio questa situazione di "sospensione". I progetti non realizzati, sono "on air", sono sospesi, leggeri, vivono sulla carta, lontani anche dalla materialità delle pareti. Ma quando questi si realizzano cambiano, diventano materia. Cambia quindi anche la loro rappresentazione. Essendo ora spazi vissuti diventano qui nell'esposizione immateriali, raggi di luce che proiettati sulle pareti ripropongono l'immagine di una realtà che è altrove. [...]

GAM - Galleria Civica d'Arte Moderna e Contemporanea di Torino
Via Magenta 31
10128 Torino
tel: 011 4429518
fax: 0114429550
http://www.gamtorino.it/

La mostra offre una visione globale dell’opera dei fratelli Perret, analizzando le molteplici ramificazioni nel secolo, ridefinendo la statura di Auguste Perret sia sulla scena dell’architettura francese sia sulla scena internazionale, attraversodisegni originali mai presentati al pubblico, fotografie d’epoca e plastici. Si tenta di ricostruire, attraverso documenti inediti, la loro biografia, la loro formazione classica all’École des Beaux-Arts, il loro rapporto con le tendenze razionaliste della fine del XIX secolo, e di svelare il loro approccio tecnico rispetto al diverso impiego del cemento armato. Un importante spazio è dedicato alla loro formulazione di un “ordine del cemento armato”. Sono anche messe in luce, attraverso numerosi prestiti da parte di musei e istituzioni, le loro importanti relazioni intellettuali con Maurice Denis, Antoine Bourdelle, Josef Sìma e André Gide. Per l’occasione sono state realizzate circa quaranta nuove maquettes con il fine di chiarificare, soprattutto al grande pubblico, l’innovazione delle concezioni spaziali e costruttive dei Perret. Queste sono esposte vicino alle maquette di vecchia data, in particolare quelle delle collezioni della Città di Le Havre, integrate con le collezioni della Cité de l’Architecture e du Patrimoine. Infine, la mostra permette di riscoprire l'Auguste Perret disegnatore di mobili e di interni, attraverso una scelta di mobili originali restaurati.

Triennale di Milano
viale Alemagna, 6
Milano
tel: +39 02 724341
fax:+39 02 89010693
http://www.triennale.it

http://www.nannistrada.com

Nanni Strada è una delle protagoniste più originali della scena culturale italiana nell’ambito del design, per la rilevanza e l’originalità del suo lavoro e il ruolo pionieristico nel campo del design della moda, di cui è una protagonista di primo piano riconosciuta a livello internazionale. Vincitrice di un Compasso d’oro, presente più volte in Triennale, ha sviluppato una sua ricerca originale e personalissima sempre a stretto contatto con il mondo produttivo, con l’innovazione tecnologica nel campo delle macchine, dei tessuti, dei colori e persino del packaging e della distribuzione. In questo suo percorso ha lavorato per importanti case, firmando collezioni, sviluppando prototipi, realizzando una sperimentazione formale che ha dato vita a un approccio rivoluzionario al vestire. Affermata come disegnatrice di moda, ma in realtà più vicina alle modalità progettuali e al mondo culturale del disegno industriale, Nanni Strada è stata anche accostata alle correnti artistiche del minimalismo e dell’arte povera. La mostra ripercorre le tappe progettuali e professionali del lavoro di Nanni Strada dagli esordi negli anni Settanta fino alle più recenti ricerche. Il percorso espositivo esalta gli aspetti emozionali degli abiti, non solo attraverso la magia materica e cromatica, ma anche attraverso le particolari invenzioni strutturali e le lavorazioni tecniche messe in atto (flessibilità, comprimibilità, geometria variabile, esasperazione delle misure). Vengono, inoltre, messi in evidenza i concetti e gli aspetti teorici sottesi a ogni singola collezione (la taglia unica, la geometria come regola, la rinuncia alla tridimensionalità, l’invenzione di comportamenti, la massima semplificazione, la bellezza materica). La mostra si articola in due parti:la prima è composta da undici grandi schede sull’opera e la ricerca di Nanni Strada; attraverso l’esposizione dei disegni di studio degli abiti, viene mostrato come l’approccio di Nanni strada sia molto più vicino al progetto di design piuttosto che a quello della moda e della sartoria tradizionale. Come dice lei stessa, la creazione dell’abito viene affrontata con “un approccio metodologico tipico del design". La seconda espone invece, disposti su una grande pedana inclinata, gli abiti e i capi più significativi . Un filmato, appositamente girato per l’occasione, integra, spiega e arricchisce il percorso espositivo. Gli approfondimenti relativi ai contenuti della mostra sono disponibili sul sito www.nannistrada.com. Mostra a cura di Raimonda Riccini. Allestimento e progetto grafico: Italo Lupi.

Spazio Mostre Bovisa
via Durando 10
20158 Milano

informazioni:
Facoltà di Architettura Civile
tel: 02 - 2399.7102 / 7146
fax 02 - 2399.7138
alberta.bergomi@polimi.it
http://www.arch2.polimi.it

La mostra espone i disegni originali e i modelli di sette edifici progettati dal tra il 1993 e il 2000: i quattro progetti per Berlino, Osnabrück, Colonia e Schwäbisch Hall sul tema del museo e i tre progetti, redatti in occasioni diverse, per l'edificio pubblico in piazza Garibaldi a Treviglio, la chiesa di Porto - Santa Rufina a Roma e la ricostruzione del castello di Valkhof a Nimega. Concepiti in un decennio che si apre con il completamento del teatro di Sagunto e che ha visto la realizzazione di importanti opere all'estero - le biblioteche di Groningen e di Valencia, il complesso di Postdamerplatz - i lavori in mostra espongono con chiarezza i temi di una ricerca che si misura costantemente con l'esperienza dell'architettura antica, rivendicando un legame di appartenenza che si contrappone al gioco illusionistico rivolto alla ridondanza dell'immagine.

Roma
vista dai tetti

Casa dell'Architettura - Complesso Monumentale del San Michele a Ripa
Via di San Michele, 25
Roma

Informazioni:
tel: 06-58434858-60
amosca@darc.beniculturali.it

La DARC - Direzione generale per l'architettura e l'arte contemporanee del Ministero per i beni e le attività culturali, ha bandito nel mese di aprile 2002 un concorso sul recupero delle coperture del centro storico di Roma. L'obiettivo del concorso è stato quello di individuare tutti gli elementi di disturbo presenti sulle coperture degli edifici del centro storico e di fornire risposte progettuali che consentano l'inserimento di volumi tecnici, di servizio e altro senza incidere sulla lettura dei lineamenti architettonici e dell'ambiente storicizzato, percepiti nella loro unicità e interazione. Progettare o ri-progettare parti della città, non sempre immediatamente visibili al nostro occhio, ma altrettanto importanti per il raggiungimento della qualità urbana e del decoro pubblico, significa aggiungere valore qualitativo anche agli elementi eterogenei e salvaguardare l'integrità dell'organismo urbano nel suo insieme. In mostra gli elaborati dei partecipanti.

Interstice/Double Impact
two solo presentations

W139
Warmoesstraat 139
1012 JB Amsterdam
The Netherlands
tel: + 00 31 20 622 94 34
fax: + 00 31 20 625 12 26
http://www.w139.nl/
info@w139.nl

'Interstice/Double Impact' comprises two solo presentations; a subtle installation by the British artist Ian Kiaer in the front room, and in the back room an impressive setting created in collaboration with Elastik for a performance by the Italian artist Sissi, which will take place on April 4th starting 9 p.m. In his work, Ian Kiaer (London, 1971), combines architectural concepts with personal memories and references to Western and Oriental art history. His latest installation in W139 brings together reflections on the migration of bees with references to the work of architect Moshe Safdie and an analysis of the specific allocation of space in the Warmoesstraat building. Sissi (Bologna, 1977) has constructed an 'arena' in W139's back room, which serves as the backdrop for her marathon performance 'The Walk'. For this project Sissi has sought active collaboration with Elastik - Igor Kebel, Francesca Sarti, Ek van Rosendaal and Mika Cimolini. Elastik is a network of individuals that join project groups relative to specific demands of a certain project or its committer, as the name says. The space Elastik has designed for the artist Sissi has initiated a series of dramaturgic concepts of gallery space invading in Sissi's work.

TUTTO SONEGO
Rodolfo Sonego sceneggiatore tra arte scienza e letteratura

Acquario Romano
Piazza Manfredo Fanti 47
Roma
tel: +39 06 4468616
fax: +39 06 4464694

Informazioni:
tel: 0649919233/23

La mostra, promossa dalla Facolta' di Architettura "Ludovico Quaroni" e da Cinecittà Holding, e' dedicata alla produzione artistica di Rodolfo Sonego, uno dei maggiori protagonisti del cinema italiano dagli anni cinquanta ad oggi. Sonego, scrittore e sceneggiatore di moltissimi film- tra i quali alcuni capolavori interpretati da Alberto Sordi, come "Una vita difficile","Un eroe dei nostri tempi","Il Diavolo" " Il Vedovo","Bello onesto…" etc. etc.- è stato anche pittore e disegnatore. Pittore segreto ma costante e disegnatore instancabile, per quanto le sue opere siano state esposte in rare mostre, sono state recensite da critici d'eccezione, quali Cesare Zavattini e Pierpaolo Pasolini. Nato a Caverzano (BL)il 27 febbraio del'21,Sonego studia a Torino all'Accademia di Belle Arti, fa la guerra da comandante partigiano, conosce a Venezia Emilio Vedova e Giulio Turcato e si trasferisce a Roma chiamato da Roberto Rossellini. Qui comincia subito a lavorare per il cinema. Scrive storie ma vive con gli artisti: Consagra, Turcato, Dorazio, Perilli e Scarpitta che, assieme a Ugo Pirro e a Mario Mafai, costituiscono il variopinto e squattrinato popolo dei pittori assidui alla trattoria Menghi. Pur abbandonando l'idea di diventare pittore, Sonego dedica all'arte, tra il '48 e il '50, almeno tre documentari, prodotti dalla Lux Film, girati da Glauco Pellegrini, presentati alla Biennale di Venezia e rimasti pressoché inediti. Il nucleo della mostra è costituito da 7 video dei disegni di Sonego proiettati su schermi di varie dimensioni e da un montaggio dei suoi film più celebri -Marine machine drawings1&2; Fractal visions(2); Analogous worlds; Withering sketches(2)- e dai tre documentari sull'arte -Lezione di anatomia, Esperienza del cubismo e Parliamo del naso-. L'allestimento e il CD-Rom della mostra, curati dal LaMa(Laboratorio Multimediale di Architettura) sono stati coordinati da Rosalba Belibani;il catalogo è a cura di Rossana Battistacci.

Bracieri / Fires

Palazzo della Ragione e Loggia dei Mercanti
Milano

Informazioni:
e123
Via Bartolomeo Giuliano 1
20129 milano
tel: 02/20241494
http://www.e123.it

E' possibile raccontare la luce attraverso i cinque sensi? La luce ha un suono, un sapore, una texture, un profumo, un colore? Cinque bracieri cercano di rispondere stimolando la nostra immaginazione. L'idea è quella di progettare degli elementi di arredo urbano che declinano sensorialmente il tema del braciere. La performance sensoriale (luci, textures, suono, odori, etc.) offerta da ciascun braciere è la fonte di attrazione centripeta intorno a cui avverranno gli incontri. I bracieri sono punti di attrazione, di incontro, di comfort, intorno a cui le persone possono sostare, chiacchierare, trascorrere del tempo senza l'ansia si chiudersi in un interno. Bracieri vuole giocare sul ruolo che avevano i bracieri nelle case del passato: riscaldare, raccogliere, attirare la socialità, usando la metafora di questo arredo in via di estinzione e per riattualizzare la sua funzione sociale e portarla in esterno. Bracieri / fires progettati da e123 e prodotti dalla Filiberti Design Stone sono presenti all'evento “Immaginando Prometeo. Intorno ai miti del fuoco e della luce ”. e123 design è un giovane gruppo di progettazione, attivo a livello internazionale che si forma nel 1996 dalla collaborazione artistica fra Anna Barbara, Paola Bellani, Laura Miotto, Savina Nicolini alle quali successivamente si aggiungono Sara Mazza e Carolina Rapetti. Il gruppo ha due nuclei operativi: a Milano e a Singapore. Progetta innovazione partendo da un'attenta conoscenza dei materiali, da un'accurata analisi delle tendenze, da una esperta progettazione sensoriale e da una strategica gestione della comunicazione.
Interaction design di "Bracieri/Fires": Massimo Banzi, Edoardo Brambilla, Sergio Paolantonio; sound design:Raphael Monzini.

LAB[au]
"sPACE, navigable music"

Distorsonie Futurmusic Fair Festival DF3
LINK
Via Fioravanti 14
Bologna
tel: 051 4154528 / 051 6313497
http://www.linkassociated.org

http://www.distorsonie.it
info@distorsonie.it

LAB[au], laboratory for architecture and urbanism, basato in Belgio, costituisce uno dei più avanzati gruppi internazionali di ricerca nel settore della realtà virtuale architettonica. Il progetto che viene presentato a Distorsonie 2003, denominato sPACE, navigable music , presenta un mondo virtuale compartecipabile di inedita concezione: forme grafiche, volumi cangianti, suoni campionati e spezzettati, immagini, brani musicali, tutti insieme all'interno di uno spazio digitale navigabile in tempo reale da più utenti. Gli spostamenti all interno di questa matrice provocano continue modificazioni nell intorno, nella configurazione spaziale degli elementi, nel fluire asincrono delle tracce sonore. Ci si muove all interno di suonicoloriforme che mutano al nostro stesso mutare spazio-temporale: ad ogni passo virtuale qualcosa cambia, ogni azione provoca modificazioni del contesto. Durante la performance immersiva, ad accesso libero, che si ripeterà dalle ore 21 alle 24 presso il LINK di Bologna Manuel Abendroth e Jérôme Decock di Lab-au presenteranno gli esiti della propria più recente ricerca. Distorsonie Futurmusic Fair Festival DF3, prodotto da H-uge, è tre giorni e tre notti di concerti, dj set, performances, installazioni audio e video, incontri, workshops, attorno alla creatività legata alle nuove tecnologie. Ideato all interno del LINK Project di Bologna nel 1995, è stato il primo Festival in Italia dedicato alla musica elettronica, in ogni sua diversa sfumatura, e nelle possibili interazioni con le immagini.

http://www.lab-au.com
http://www.lab-au.com/space

Distorsonie FuturmusicFairFestival df03

LINK
Via Fioravanti 14
Bologna
tel: 051 4154528 / 051 6313497
http://www.linkassociated.org
http://www.h-uge.org/
http://www.distorsonie.it
info@distorsonie.it

Distorsonie: dal 1995, tre giorni e tre notti di concerti / dj set / performances / installazioni audio e video / incontri / workshops attorno alla creatività legata alle nuove tecnologie. ideato all'interno del Link Project di Bologna, è stato il primo festival in Italia dedicato alla musica elettronica, in ogni sua diversa sfumatura, e nelle possibili interazioni con le immagini. Ogni anno ospita alcuni tra i più interessanti artisti italiani e internazionali, affermati ed emergenti Nel 2003 distorsonie assume un nuovo nome: df03 futurmusic fair festival, che corrisponde ad una rinnovata identità, sempre più incentrata sulle forme di comunicazione rese possibili attraverso i suoni e le immagini digitali, e presenta in programma alcuni tra i migliori artisti internazionali e italiani che si muovono nell'ambito delle arti elettroniche per una 3 giorni di musica elettronica eclettica: dalle rarefazioni della ambient alle atmosfere sinuose del vintage e dell'esotico, dal soul elettrificato della disco all' umanomeccanico della electro, dai beats partystyle dell'house alla potenza e poesia della techno, dal funky spezzato del breakbeat alle profondità del drum'n'bass, dalle ricerche minimali dell'indietronica alla forza punk delle sperimentazioni più estreme. Istallazioni e performances innovative: costruzione di spazi sonori e visivi astratti, architetture modulari di frequenze e pixels, comunicazione poetica e performativa, clothesdesing proiettato nel futuro. Incontri: sull'essenza e il contesto delle arti elettroniche. Show cases e promo: di etichette, artisti, eventi.
Artisti: Alexander Robotnick, Matthew Herbert, Max Durante, Four Tet, Jan Jelinek, Populous, Ambit3, Derrick May, Dj Stingray (Drexciya), King Britt with Ivana Santilli, Lory D, Robert Owens, Otto Von Schirach, Phoenecia, Patrick Pulsinger, Louie Austen, Twinnie.

HANS HOLLEIN, Vienna Aufbauen und Aushöhlen

Aedes East Forum
Rosenthaler Str. 40-41,
Hackesche Höfe, Hof II,
10178 Berlin
tel: +49 30 282 7015
fax: +49 30 283 914 66
aedes@baunetz.de
http://www.aedes-arc.de/

Hans Hollein, the international active architect, visionary and Pritzker Prize laureate, is concerned with a new formulation of the high-rise subject since his studies at the IIT in Chicago in the fifties. Since this time he is interested in the construction under ground - free non-tectonic hollowing out and the creation of non-rectilinear spaces. Additive and Subtractive - built up and excavate. Hollein goes not only up in height, but also digs himself into earth. The exhibition presents this duality with concepts, ideas and realizations: Renderings and models - from early studies in clay or poured out of lava, up to perfect simulations. Plans but also clippings as well as hand drawings illustrate Holleins intention to create another, new type of high-rise and cave. Next to early visions, three high-rise projects in his hometown Vienna are introduced (among those are the Monte Laa PORR towers, which were strongly discussed at the Biennale Venice and the MOMA), designs for Tokyo and Vienna up to a carillon for Berlin. Furthermore the realized constructions Torre Interbank in Lima, Peru and the Generali/Media Tower in Vienna are on display. These high rise projects are faced by underground room concepts, which play an important role in Holleins philosophy of architecture from the start. The exhibition shows for example the New Museum in Mönchsberg for Salzburg and the Vulcania - Parc Europeen du Volcanisme -, which was opened last year in french Auvergne. All pojects share Holleins manifold form- and material language: towers, which lean obliquely out, floating cloudy superstructures, interlocked building blocks, surprising sculptural elements and pure masterly roomdesign in the underground constructions.

newlogo IUAV

Aula magna ai Tolentini
Santa Croce 191
I-30135 Venezia
tel: +39.041.257-1819
fax: +39.041.257-1738
comesta@iuav.it

La mostra presenta i lavori di tutti i progettisti invitati al concorso internazionale per il disegno del nuovo logotipo IUAV e il progetto di una nuova identità grafico-visiva coordinata: Philippe Apeloig (vincitore), Neville Brody / Research Studios, Matthew Carter, Gert Dumbar / Studio Dumbar, Mevis & Van Deursen, Paula Scher / Pentagram, Massimo Vignelli.

Fondazione Piaggio
viale Rinaldo Piaggio 7
56025 Pontedera (PI)
tel: +39 0587 27171
fax: +39 0587 290057
museo@museopiaggio.it
http://www.museopiaggio.it

La mostra, prima retrospettiva in Italia, presenta il lavoro di Gianni Pettena artista, architetto e designer, attraverso video, documenti d’archivio, fotografie e disegni delle sue performances, installazioni, e oggetti di design dalle prime realizzazioni degli anni Sessanta ad oggi. L’esposizione è una versione ampliata della mostra realizzata al FRAC di Orléans dal 4 febbraio al 26 aprile 2002. Gianni Pettena, nato a Bolzano nel 1940, laureato in architettura all’Università di Firenze, è stato, alla fine degli anni ’60, uno dei primi e più importanti rappresentanti della “architettura radicale”, e in seguito fondatore della “Global Tools”, contro-scuola di architettura e design (Milano 1974-1976), che riunisce gli stessi protagonisti del movimento radicale. Artista che ricorre al linguaggio architettonico e architetto che si appropria delle logiche artistiche, continua a operare nell’ uno e nell’altro campo, rifiutando i confini tra le discipline, e definendosi invece un “anarchitetto”. [...]

Le mille e una notte:
installazioni, video e dibattiti per un'isola dell'arte in pieno centro

IdA - Isola dell'Arte
Stecca degli artigiani / Giardini dell'Isola
via Confalonieri
Milano
tel: +39 339 3786355
http://www.cantierisola.org
ida@undo.net

Isola dell'Arte è un'associazione fondata da artisti, critici e curatori, per proporre al Comune di Milano di usare gli spazi vuoti della Stecca degli artigiani - un'ex-fabbrica di proprietà comunale - come centro per l'arte contemporanea, e per creare un dialogo con le realtà sociali che operano nel quartiere Isola che si prefiggono di salvare i due giardini adiacenti alla Stecca minacciati di distruzione dal progetto urbanistico Garibaldi-Repubblica. Il 13 aprile, durante il mercato biologico organizzato dalle associazioni del quartiere, Isola dell'Arte si presenta al pubblico con il primo evento artistico del ciclo "Le mille e una notte", un titolo simbolico che si richiama alla possibilità di salvare la Stecca degli artigiani attraverso il racconto dell'arte; un racconto intorno alla precarietà che avvolge lo spazio e il futuro dell'Isola. Saranno realizzati interventi di: A12, Mario Airò, Stefano Arienti, Stefano Boccalini, DE-ABC, Gabriele Di Matteo, Eva Marisaldi, Liliana Moro, Adrian Paci, Bert Theis, Grazia Toderi, Undo.net, Cesare Viel, Luca Vitone. Il gruppo Park Fiction di Amburgo aderisce al programma con la versione in lingua italiana del film "I sogni lasciano le case e scendono in piazza" presentato a documenta11. Per la stessa giornata, alle ore 16, l'associazione organizza alla Stecca un convegno sul tema "Quali spazi per l'arte di oggi? Prospettive e progetti per la Stecca". Con questa iniziativa si vuole lanciare il dibattito sulla mancanza di spazi per l'arte contemporanea a Milano e sul tipo di spazi che più si adattano alle nuove ricerche. Come arrivare all'Isola: stazione FS e MM Garibaldi, Tram 29, 30, 11, 4, bus 82 o in bici.

ON/Salento:
Along the Egnatia
memories of displacement in between Rome and Istanbul

Fondazione Adriano Olivetti
Sala Roberto Olivetti
Via G. Zanardelli, 34
Roma
tel: +39 06 6877054
info@fondazioneadrianolivetti.it

http://www.stalkerlab.it

La Via Appia - da Roma ad Otranto - e successivamente chiamata Via Egnatia è un antica strada romana che fu costruita lungo il Sud Italia, l'Epiro, la Macedonia e la Tracia per collegare Roma a Bisanzio, le capitali dell'impero romano occidentale e orientale. Lungo la Via Egnatia milioni di persone sono state costrette a peregrinare dopo aver abbandonato la propria terra. Questa strada è stata muta testimone - nell'ultimo secolo, dalla caduta dell'Impero Ottomano fino ai flussi di Rifugiati di oggi - del drammatico spostamento di milioni di Albanesi, Armeni, Bulgari, Greci, Slavi, Turchi, Curdi, Afgani, Iracheni rifugiati e immigrati provenienti dal Sud o dall'Est dell'Europa Occidentale. Along the Egnatia intende ricostruire le esperienze di questi flussi migratori attraverso le testimonianze di centinaia di persone che hanno vissuto in prima persona questo drammatico attraversamento. Martedì 15 aprile il progetto Along the Egnatia sarà presentato alla Fondazione Adriano Olivetti di Roma. In questa occasione sarà inaugurata la prima Agenzia in Viaggio europea che si preoccuperà di raccogliere e registrare le testimonianze delle esperienze sulla Via Egnatia. Inoltre saranno esposti 18 metri di chianche di pietra leccese provenienti dalla Cave di Cursi in Salento (l'italiana Finis terrae verso l'est laddove comincia la Via Egnatia) - su cui si potrà scorgere incisa sulla costa la mappa del percorso della Via Appia/Via Egnatia da Roma a Istanbul. Questi 18 metri di pietre della memoria viaggeranno il 30 aprile dalla Fondazione al Centro Interculturale Monte Ararat di Roma dove si raccoglieranno altre testimonianze, altre storie da collezionare che comporranno il primo chilometro della Via Appia/Egnatia. Altri chilometri di pietre della memoria saranno disposti ad Otranto - luogo principe di transizione, di attraversamento, testimone di migliaia di tentativi di fuga - e successivamente a Salonicco e ad Istanbul. A partire dal 15 aprile saranno coinvolti centinaia di emigrati che raccontando la loro esperienza - dall'abbandono della propria terra, all'attraversamento della Via Egnatia - trasformeranno ogni pietra in una storia, memoria del lungo tragitto fino ad Istanbul. Le testimonianze saranno raccolte a Roma - alla Fondazione Adriano Olivetti - e successivamente alla KunstWerke di Berlino (in occasione della mostra Territories curata da Anselm Franke) e al Palais de Tokyo di Parigi (in occasione della mostra GNS general navigation system a cura di Nicolas Bourriaud). Le tre principali città europee che hanno testimoniato il grande flusso immigratorio accogliendo comunità oggi molto radicate nel territorio (si pensi a quella armena a Parigi o la curda a Roma). La Via Egnatia di chianche leccesi costituirà un atlante di memorie. Un monolite frammentato che viaggerà da Roma ad Istanbul passando per Otranto e Salonicco, dove le storie collezionate saranno disposte nei luoghi dell'esperienza e dove altre storie da collezionare saranno incise sulle pietre. Along the Egnatia è un progetto di Osservatorio Nomade all'interno del progetto ON/Salento.

Digital Culture Evening:
Lost Guides performance

New Museum of Contemporary Art
583 Broadway
New York
NY 10012
tel: 212-219-1222
fax: 212-431-5328
newmu@newmuseum.org
http://www.newmuseum.org

Artist/director Angie Eng, with artists Gabrielle Latessa, Benton C. Bainbridge, Brian Moran, and architects Omar Khan and Laura Garofalo (Liminal Projects) perform Lost Guides, an audio/visual performance, in the New Museum's Zenith Media Lounge. Demonstrating how sounds and visuals can transform static space, the artists create audio samples and digital images in real-time that are projected onto the surface of a Mylar tent located in the center of the gallery space. The performance can be viewed live on the web at http://www.turbulence.org. Lost Giudes is free and open to the public on Tuesday, April 15, 2003, 6.30-8.00pm.

http://www.turbulence.org

Arata Isozaki
Electric Labyrinth

Castello di Rivoli
Museo d’Arte Contemporanea
P.zza Mafalda di Savoia
10098 Rivoli (To)
tel: +39 011 9565222
fax: +39 011 9565230
http://www.castellodirivoli.org
info@castellodirivoli.org

Il Castello di Rivoli presenta Electric Labyrinth, la ricostruzione dell’installazione multimediale originariamente creata da Arata Isozaki nel 1968 per la XIV Triennale di Milano. Subito distrutta nel corso di una storica occupazione dell’edificio della Triennale, l’installazione è stata ricostruita da Isozaki nel 2002 e sarà quindi visibile al pubblico italiano per la prima volta. Nel 1968, la XIV Triennale di Milano venne inaugurata mentre il clima politico e sociale raggiungeva uno dei suoi momenti più caldi. Durante la conferenza stampa, tenutasi il 30 maggio, centinaia fra artisti, intellettuali, studenti e professori di architettura presero d’assalto la sede della Triennale e la occuparono per dieci giorni. Malgrado guardasse con attenzione il movimento di protesta allora nascente, la mostra, all’interno della quale la sala progettata da Isozaki rappresentava uno dei contributi di maggior spicco, venne completamente distrutta.Ricostruita con il supporto del Castello di Rivoli, dello ZKM|Zentrum für Kunst und Medientechnologie, Karlsruhe, della Fundação Serralves, Porto e su iniziativa curatoriale di Hans Ulrich Obrist, l’installazione Electric Labyrinth, rappresenta uno dei più importanti capitoli di sperimentazione interdisciplinare degli anni '60, nell’ambito di un dialogo che coinvolge arte, architettura, musica e proponendo un diretto impegno nei confronti di tematiche quali la guerra e la crisi sociale.

Bernard Khoury Architects, Libanon
PLAN B - Projekte in Beirut

Aedes West
S-Bahnbogen 600
Savignyplatz
10623 Berlin
tel: +49 30 282 7015
fax: +49 30 283 914 66
aedes@baunetz.de
http://www.aedes-arc.de/

The exhibition is representing the architecture of Bernard Khoury who is born in Beirut, Lebanon. Still living and working locally he is the author of several experimental projects. His work is reflecting on the major reconstruction efforts that have been taking place in Beirut during the so-called postwar period. In the absence of any coherent institutional involvement in the reconstruction process Beirut finds itself in the hands of private financial and real estate ventures. Institutional architecture as we would like to define it in the West does not exist. Khoury describes "postwar” Beirut as a hyper-contemporary version of a capitalist city in a state of anarchy, a fantastic but terrifying product of western influences gone out of control. Khoury´s projects will be exposed through a scenario as a re-interpretation of the given context and should be regarded as a by-product of the environment through which they exist. The B 018 Club, the restaurant/ bar Centrale and Yabani were built in the last three years (1998–2001) and erected in strategic sites in the city (the site of an ex-refugee camp, the location of the old demarcation line). They have a predetermined life span (six to nine years) after which their operation will be terminated and the constructions dismantled. The buildings are a progressive mutation of war damaged buildings and deal with programs of entertainment. During their eight years of practicing architecture Khourys proposals for residential, commercial and educational buildings did not get the credibility required to materialize most of them. The exhibition will also include a selection of theoretical projects. As Khoury said: "They translate the image of a hazardous reality that has yet to prove to find its place in the fantastic fiction of the reconstruction of the city, which is now taking place. Speakers at the opening: Kristin Feireiss, Berlin and Johannes Odenthal, director of the exhibition "DisORIENTation" at the House of World Cultures, Berlin.

1st International Architecture Biennale Rotterdam:
Mobility

1st International Architecture Biennale
Rotterdam

Informazioni:
Tineke van den Polder
tel: +31 10 440 1331
fax: +31 10 436 4335
http://www.biennalerotterdam.nl
tvdpolder@1ab.nl

This large-scale event will be held every two years in the Dutch port city of Rotterdam, itself recognized worldwide as an architectural trendsetter. The first architecture biennial focuses entirely on the theme of 'mobility', examining the issue of modern-day mobility and the consequences for architecture and urban development. Architects, civil engineers, urban planners, traffic experts, landscape architects, students, filmmakers and photographers from around the world will spend two months presenting plans and exchanging ideas in the form of exhibitions, lectures, publications, debates, films and excursions. The main programme will be held in two separate venues: the Netherlands Architecture Institute (NAi) and the warehouse Las Palmas on the Kop van Zuid. Activities and exhibitions in the NAi will focus exclusively on mobility by car, or 'automobility'. In Las Palmas, mobility in all its forms and guises will be explored to its fullest. Renowned architects and artists, as well as up-and-coming talent, will be given the space to present and discuss their ideas and visions of the future in the Mobility Laboratory. The curator is Francine Houben, partner in the Mecanoo architecture firm and professor at the Delft University of Technology.

Chiesa sconsacrata di San Francesco
Largo Ospedale Vecchio
Udine

Informazioni:
Galleria d ’Arte Moderna
tel: +39 0432 295 891
http://www.comune.udine.it/gam
Centro Ricerche Fantoni
tel: +39 0432 976 47
http://www.fantoni.it

http://www.fantoni.it/mostra_fantoni/index.htm

L'evoluzione del prodotto, la ricerca, l'architettura industriale, l'espansione commerciale: tutto questo viene raccontato al pubblico attraverso disegni, foto, macchine industriali, prodotti e prototipi provenienti dall'archivio storico Fantoni. Allestita nella suggestiva Chiesa di San Francesco, la mostra, a cura di Anna Llombardi, è suddivisa in cinque sezioni: architettura, design, comunicazione, tecnologia e Centro Ricerche Fantoni.

Triennale di Milano
viale Alemagna, 6
Milano
tel: +39 02 724341
fax:+39 02 89010693
http://www.triennale.it

L’Austria occidentale ha conosciuto nell’ultimo decennio una crescente attenzione per la cura del paesaggio ed il rinnovamento delle città. Per la prima volta verrá esposta una rassegna di opere di una nuova generazione di architetti dell´Austria occidentale, tra i quali anche alcuni protagonisti della scena architettonica internazionale. La Triennale di Milano è la prima tappa di una mostra, ideata da Peter Lorenz ed organizzata dalla ARCHIcultur.EU di Innsbruck, che tra il 2003-2005 esporrà in almeno sei paesi europei, in America ed in Asia. L’architettura dell’Austria occidentale oggi è considerata, tra le culture architettoniche regionali, come quella in Europa con il maggior potere di penetrazione internazionale. Poche altre regioni possono vantare una simile densità e intensità di espressione architettonica. La storia di questo sviluppo è progredita in modo molto differente nelle due regioni di Tirolo e Vorarlberg: quest’ultimo si rifà ad un periodo in cui la sperimentazione su modelli residenziali e la riscoperta della costruzione tradizionale in legno furono temi architettonici nuovi; lo sviluppo tirolese, invece, avvenne più tardi e probabilmente fu anche meno “radicato” che in altre regioni. L´architettura di queste due regioni ha oggi raggiunto un livello che le rende degne della loro posizione a livello internazionale. Curata da Liesbeth Waechter-Böhm, l’esposizione si articola in fotografie, progetti e testi per un totale di 55 tavole supportate da circa 20 modelli, 3 video collegati a progetti e un video introduttivo sull´Austria occidentale. Un report sulla “vita di tutti i giorni dell’architettura” in entrambe le province introduce la mostra. Alla mostra sono esposti i progetti piú significativi ed attuali degli architetti più importanti dell´Austria Occidentale: Baumschlager e Eberle, Arno Bereiter, Cukrowicz e Nachbaur-Sturm, Dietrich e Untertrifaller, Georg Driendl, Hugo Dworzak, Roland Gnaiger, Henke e Schreieck, Heubacher-Sentobe, Gohm e Hiessberger, Hermann Kaufmann, Rainer Köberl, Christian Lenz, Peter Lorenz, Manzl e Ritsch.Sandner, Marte e Marte, Noldin e Noldin, Johann Obermoser, Wolfgang Pöschl, Helmut Reitter, Riccione Architekten, Wolfgang Ritsch, Hanno Schlögl, Bruno Spagolla, Steinmayr e Mascher, Walter Unterrainer.

Plasticiens en mouvement

De Markten
5 Vieux Marché aux Grains
1000 Bruxelles
Tel: 02 512 34 25
demarkten@demarkten.be

http://www.plasticiens-en-mouvement.org

Après une première création, initiée par l’atelier Graphoui à la Biennale de Dakar en 2002, plasticiens du Nord et du Sud se rencontrent à Bruxelles en une exposition où se confrontent leurs travaux plastiques et leurs créations audiovisuelles. Les artistes Philip Aguirre y Otegui, Soly Cissé, Gérald Dederen, Kan Si, Ndary Lo, seront à Bruxelles après Dakar, rejoints par les interventions inédites de Michel François, Meshac Gaba, Laone Lopes, Aimé Ntakiyica et Narcisse Tordoir. Conception du projet : Tania Nasielski.

“L’architettura” in copertina

Fondazione Bruno Zevi
Via Nomentana 150
00162 Roma
tel: +39 06 8601369
fax: +39 06 8601369
http://www.fondazionebrunozevi.it/
info@fondazionebrunozevi.it

Inaugurazione: 22 maggio alle ore 18.00

La mostra presenta oltre 400 bozzetti originali delle copertine della rivista "L’architettura - cronache e storia", fondata e diretta da Bruno Zevi, disegnati tra il 1955 e il 1997 dallo Studio di architettura Nizzoli-Oliveri. Il materiale, cui si aggiunge la vivace e stimolante corrispondenza tra Bruno Zevi e Mario Oliveri, è stato donato nel dicembre 2002 dall’architetto Oliveri alla Fondazione Bruno Zevi. Saranno inoltre esposti oltre 100 disegni realizzati da Marcello Nizzoli per le stesse copertine e conservati presso il CSAC - Centro Studi e Archivio della Comunicazione - di Parma Proprio per il lungo arco di tempo in cui è stato prodotto, il materiale consente di leggere, dall'osservatorio particolare della grafica, i principali mutamenti artistici e architettonici intervenuti dal dopoguerra. Allestita dall’architetto Maurizio Di Puolo, la mostra sarà accompagnata da una pubblicazione, edita dalla Fondazione, che conterrà, oltre alle testimonianze di Mario Oliveri e Lisa Licitra Ponti e al saggio critico di Sergio Polano, la documentazione del materiale esposto e l’inventario del materiale donato alla Fondazione. La mostra rimarrà aperta con i seguenti orari: lunedì, mercoledì e venerdì dalle 10.00 alle 14.00 o su appuntamento.

INCLUSIVE
The Architecture of Louis Vuitton

Aedes East Forum
Rosenthaler Str. 40-41,
Hackesche Höfe, Hof II,
10178 Berlin
tel: +49 30 282 7015
fax: +49 30 283 914 66
aedes@baunetz.de
http://www.aedes-arc.de/

The invitation extended by Aedes Gallery to Louis Vuitton Malletier to participate in an exhibition of their building projects, derives from the "inclusive" approach employed by both Aedes and LV in revealing young talented architects as well as from the importance of exploring the topical subject of retail architecture. The interest within the architectural community surrounding the current LV exhibition in Tokyo, underscores the success of a prodigious number of contemporary buildings. The presentation of eleven projects by six architects for one brand illustrates the results of this unique inclusive method to retail architecture, whereby numerous offices share common themes and ideas while achieving a singular brand identity. The exhibition is showing models, drawings, photographs and prototyps of the projects. The exhibition is the part of a series in which Aedes focuses in the next two years the subject of corporate/retail architecture and branding.
Projects by: Jun Aoki (Tokyo), Philippe Barthélémy and Sylvia Griño (Paris), Kengo Kuma (Tokyo), Kumiko Inui (Tokyo), Aurelio Clementi (Verona), Eric Carlson/ David McNulty (Paris).

Triennale di Milano
viale Alemagna, 6
Milano
tel: +39 02 724341
fax:+39 02 89010693
http://www.triennale.it

Advento è un’associazione civile creata e fondata dall’artista messicano Raymundo Sesma nel 1995, che unisce l’attività di designer, artigiani, artisti, architetti e studiosi di varie discipline. Opera internazionalmente, ma soprattutto a Città del Messico, Tecali e Puebla, città conosciute per la loro grande tradizione artigianale che da secoli si è sviluppata intorno all’elaborazione di manufatti in onice, marmo e ceramica di talavera. Advento si è posto come obiettivo la creazione di progetti d’artista e sviluppa idee che a sua volta propongono processi, i quali creano zone di contatto sociale. In questo laboratorio di idee la società viene coinvolta non come semplice ricettore, ma come compartecipe di questi processi i quali si modificano e trasformano. Raymundo Sesma chiama questo processo Architettura Sociale. In questo contesto si presenta la mostra Grafica, Architettura, Design in Messico costituita da una selezione di plastici, fotografie, oggetti, cartelli e documenti curata da Raymundo Sesma, insieme con la collezione di disegno grafico messicano dal 1900 ad oggi, curata da Giovanni Troconi. In esposizione si potranno vedere lavori di Posada e il “Taller de la Gráfica Popular” messicano, passando per l’Estridentismo, la grafica popolare per feste religiose, box, lotta libera, balli, pubblicità diversa e grafica politica, fino a quella di Giochi Olimpici del ‘68 e i manifesti contemporanei. Inoltre sono in mostra oggetti vari come pacchetti di sigarette, tovaglie di plastica, giocattoli e maschere di lotta libera. A cura di Raymundo Sesma e Giovanni Troconi. Allestimento: Franco Origoni

Alberto Rosselli designer architetto

Politecnico di Milano - Facoltà di Architettura
Spazio Mostre Bovisa
Via Durando 10
Milano
Orario:
da lunedì a venerdì 9 – 18
ingresso libero

Informazioni:
info@ghigos.it
http://www.ghigos.it/albertorosselli.html

La mostra ripercorre l’opera di un architetto e designer milanese che ha segnato profondamente la cultura progettuale del dopoguerra, pur nei modi silenziosi e riservati che lo hanno sempre connotato. La direzione attenta di "Stile Industria", le puntuali lezioni universitarie e la proposta di progetti innovativi e coraggiosi ne testimoniano ancora oggi la rilevanza sia a livello teorico che progettuale. Alberto Rosselli è stato tra i promotori-fondatori dell’ ADI (Associazione per il Disegno Industriale), è stato tra i primi ad interessarsi e a parlare di “disegno industriale”, ma ha anche operato una svolta nell'insegnamento universitario impostando la didattica su rigorosi criteri di metodo e introducendo il concetto di progettazione come processo decisionale. Il suo contributo è stato determinante nella fondazione dell’Area Tecnologica della Facoltà di Architettura di Milano, che ha potuto da quel momento contare su una forte struttura concettuale di riferimento. A livello progettuale Alberto Rosselli ha svolto un’indagine con una forte impronta sociale: il suo sguardo, sempre volto a cogliere le reali esigenze dell’utente, riusciva a tradurle in soluzioni tecnologiche e materiche di esemplare semplicità. Per lui il designer doveva "essere un deputato dei consumatori presso la produzione. Colui che ne interpreta i desideri stando come il Consigliere del Principe: accanto a lui, ma non sotto di lui”. Proprio dall’attenzione dell’uomo nei confronti dell’Uomo e dalla costanza rigorosa e scientifica con cui era portata avanti una simile ricerca, scaturisce la qualità di un progetto che riusciva a incidere realmente sui modi di vivere. La spiccata predilezione per soluzioni aperte e flessibili testimonia tuttora il tentativo metodico con cui Rosselli ha cercato di perseguire e coltivare “l’incertezza come valore progettuale”. La mostra ripropone Alberto Rosselli dopo un lungo periodo di silenzio "storico": per vari motivi la sua figura sembrava essere stata in parte dimenticata. Il lavoro svolto, di ricostruzione e documentazione dei progetti, vuole così testimoniare una ricerca di indiscutibile rilievo, che si pone come memoria di un recente passato e come fonte di insegnamenti ancora estremamente attuali. La mostra, promossa dal Gruppo Ghigos con il Gruppo Studentesco Architerna, è curata dal Gruppo Ghigos.
L'inaugurazione si terrà il 28 maggio alle ore 15:00; interverranno Cesare Maria Casati, Gillo Dorfles, Isao Hosoe, Lisa Ponti, Franca Santi Gualteri, Ettore Sottsass, Giuseppe Turchini.

Soft[ware] Boundaries

Israeli Architect House Gallery
15 Hamigdalor St.
Jaffa
Isreale

http://arc.technion.ac.il/soft[ware]_boundaries

Soft(ware) Boundaries exhibition aims to introduce prominent contemporary architectural designs generated with computers and the theory behind these designs. Specifically, we wish to expose the soft, folded, curved surface of the new architectural objects. The Title 'Soft(ware) Boundaries' refers both to the formal appearance and to the computer as its mean of production. In the exhibition we would like to emphasize the challenges that designing with computer posits against the Euclidian modernist formal language by introducing curvilinear surfaces, hypersurfaces, isomorphic polysurfaces (blobs) and by creating a higher level of formal complexity in architecture. These emphases will be backed up by philosophies and theories such as the Deleuzian fold. 'Soft(ware) Boundaries', nevertheless, will not only focus on of formal manifestations and conceptual definitions of the boundaries of new architecture, but it will also present the meaning of these manifestations for architecture and culture. It is clear that the emerging formal language redefines our perception of the relations between outside and inside, wall to floor. It presents new relationships between public and private domains and between the built environment and its users. The smooth surfaces helps to formally unite what not so long ago was "deconstructed". 'Soft(ware) Boundaries' will emphasize all these. The exhibition will present architectural projects, using animation and multimedia presentation on computer screens and projected on the gallery walls. It will present 11 works by international architects: Kas Ooosterhuis - Holland, Ocean D - London and Boston, Diller + Scofidio – New-York, Servo - Los Angeles, Zurich, Stockholm, New York, Peter Eisenman - New-York, Emergen-C - International, Asymptote - New-York, Zaha Hadid – London, Greg Lynn - Form - New-York, Tom Kovac - Australia, +RAMTV - International. Curators: Yasha J. Grobman, Shelly Cohen.

10 ANNI/10 YEARS

Spaziofoto - Credito Artigiano
Via de' Boni 1
Firenze
tel: +39 055 218641
fax: +39 055 293339
http://www.creval.it

Inaugurazione:
29 Maggio ore 19

http://www.studiomarangoni.it

La mostra raccoglie le voci più originali e rappresentative tra quelle che, negli ultimi dieci anni, si sono formate presso la Scuola della Fondazione Studio Marangoni. Nata nel 1989 con l'intento di promuovere la cultura fotografica contemporanea, la Fondazione ha ben presto affiancato a questa attività quella didattica, istituendo un corso triennale mirato alla formazione di fotografi professionisti.
Fotografie di: Francesco Gnot, Denise Vernillo, Cristina Zamagni, Marzia Migliora, Osvaldo Sanviti, Giorgio Barrera, Marco Calò, Ciro Frank Schiappa, Michi Suzuki, Gianluca Maver, Stefano Nochhi, Marcello Simeone, Cinzia Canneri, Nicola Carignani.

MART
Corso Bettini 43
38068 Rovereto TN
Infoline 800-397760
tel: 0464 438887
fax: 0464 430827
info@mart.trento.it
http://www.mart.trento.it/

Il ricamo e il cucito - componenti di un fare antico da sempre relegato al chiuso delle mura domestiche, alla sfera femminile - sono oggi tecniche espressive ricorrenti nell'arte. Una pratica che assume spesso valenza 'politica', capovolgendo i luoghi comuni, 'riannodando i fili' di identità spezzate, rivalutando un pensiero volutamente non logocentrico. Con la mostra si vuole dunque dare conto di questo linguaggio ormai autonomo, proponendo una selezione di quegli artisti e artiste che nell'ultimo decennio, e in tutto il mondo, hanno scelto ago e filo per disegnare le loro immagini, avvicinando autori appartenenti ad aree geografiche, culturali e geopolitiche profondamente diverse. Un percorso che parte - ricordando le Avanguardie Russe, e il secondo futurismo di Bella e Deper - da Alighiero Boetti, grande esponente dell'Arte Povera, che per primo usò il ricamo come un linguaggio costante. Tra gli altri presenta un lavoro nuovo Ghada Amer, emozionante artista di origine egiziana, che rivendica con le sue figure di donne intente a procurarsi piacere, il diritto delle donne di esprimere se stesse e la propria sessualità, usando il ricamo come 'ferro del mestiere' femminile, per eccellenza. Elisabeth Aro propone i progetti di edifici di Alvaro Siza trascritti in un libro con pagine fatte di tela di lenzuola e costruisce un muro con mattoni ricoperti di velo sul quale è ricamata la pianta di una casa: da sempre arredata, ornata, curata dalla donne, ma costruita dagli uomini. Riallacciandosi alla tradizione di Boetti Rainer Ganahl metterà in scena la critica alla guerra in Afghanistan dopo l'11 settembre, con un lavoro che abbina ai loghi e ai titoli dei telegiornali americani le risposte ricamate da chi vive in quel paese. La mostra è a cura di Francesca Pasini e Giorgio Verzotti. Artisti: Rainer Ganahl, Wim Delvoye, Maja Bajevic, Walter Goldfarb, Doris Salcedo, Hiroko Nakao, Rosemarie Trockel, Christiane Löhr, Tracey Emin, Mona Hatoum, Jim Lambie, Erzen Shkololli; Alighiero Boetti, Letizia Cariello, Maria Lai, Claudia Losi, Laura Marchetti, Eva Marisaldi, Laura Matei, Maurizio Vetrugno, Francesco Vezzoli, Carlos Arias, Michael Raedecker, Elizabeth Aro, Elena del Rivero, Mariann Imre Ghada Amer, Angelo Filomeno, Mike Kelley, Zoe Leonard. Il catalogo è edito da Skira.

Triennale di Milano
viale Alemagna, 6
Milano
tel: +39 02 724341
fax:+39 02 89010693
http://www.triennale.it

Premiazione dei vincitori e inaugurazione della mostra: venerdì 30 maggio, ore 11.30

La medaglia d’oro all’architettura italiana è un evento con cadenza triennale che intende promuovere e riflettere sulle nuove e più interessanti opere costruite nel Paese e sui protagonisti che le rendono possibili. I vincitori della Medaglia d’Oro all’Architettura Italiana, scelti dalla giuria, composta da Giancarlo De Carlo (presidente), Pio Baldi, Gillo Dorfles, Kurt Forster, Henk Hartzema, Vittorio Magnago Lampugnani, Luca Molinari (coordinamento), Alexander Tzonis, sono stati selezionati tra 425 opere costruite tra il 1995 e il 2003 – proposte tramite autocandidatura o attraverso le segnalazioni degli advicers (quaranta tra direttori delle più importanti riviste di architettura italiane e straniere, direttori di Centri per l’architettura e critici). La mostra presenta attraverso progetti, modelli, fotografie le 46 opere selezionate in un insieme dinamico e vivace di immagini ed è pensata come mostra itinerante che sarà in tournée in Italia e all’estero. L’obiettivo è quello di presentare l’architettura contemporanea realizzata in Italia non solo agli addetti ai lavori, ma anche al grande pubblico. Sin dal 1923, anno di istituzione della Prima “Esposizione Internazionale delle Arti decorative” con sede presso la Villa Reale di Monza della quale nel 2003 ricorrono gli ottanta anni, la manifestazione venne accompagnata e solennizzata con l’assegnazione, agli espositori, di premi e medaglie che testimoniassero la qualità dei prodotti e dei lavori presentati. La Medaglia d’Oro all’Architettura Italiana punta alla promozione pubblica dell’architettura contemporanea come costruttrice di qualità ambientale e civile, ed insieme guarda all’architettura come prodotto di un dialogo vitale tra progettista, committenza ed impresa e si pone come riflessione attiva sul ruolo del progettista e delle sue opere puntando alla diffusione pubblica in Italia ed all’estero di un nuovo patrimonio di costruzioni e idee e insieme verificando periodicamente lo stato della produzione architettonica nel Paese, gli indirizzi, i problemi ed i nuovi attori.

@artelier
via merlina 11
6962 Lugano-Viganello
Svizzera
tel: 0041 79 705 7986

orari: sabato e domenica 14.30-17.30 o per appuntamento

La consapevolezza che la tradizionale distinzione tra pubblico e privato non si pone più nei termini sinora validi. La pervasività dello spazio pubblico, attraverso tecnologia e mass media, entra nella sfera del privato. A sua volta, lo spazio pubblico di piazze e strade diventa privato attraverso telecamere a circuito chiuso, meccanismi di identificazione e cancelli di ingresso elettronici alle entrate delle città. Alla scala più minuta, lo spazio privato ed intimo del corpo si confronta costantemente con lo spazio pubblico del corpo sociale attraverso un limite sempre più labile e permeabile. Da questi assunti di partenza nasce la mostra > Intimità Temporanee < progetto multidisciplinare e frutto della collaborazione tra un architetto, un fotografo e una stilista. Nicola Probst, architetto, Lugano - Piernicola Federici, fotografo, Sta maria i.c. - Anne Lombard, stilista, Losanna.

MAXXI
Museo nazionale delle arti del XXI secolo
Via Guido Reni, 10
Roma
http://www.maxximuseo.org

Con il progetto Atlante Italiano 003 la DARC costituisce il primo nucleo della collezione di fotografia contemporanea per il Museo di Architettura del Centro Nazionale per le Arti Contemporanee, promovendo la fotografia come forma espressiva di ricerca e, al tempo stesso, offrendo un punto di vista qualificato sul cambiamento della città e del territorio in Italia.
I fotografi invitati a partecipare sono; Olivo Barbieri, Gabriele Basilico, Letizia Battaglia, Nunzio Battaglia, Gianni Berengo Gardin, Bruna Biamino, Roberto Bossaglia, Luca Campigotto, Vincenzo Castella, Giancarlo Ceraudo, Giovanni Chiaramonte, Mario Cresci, Libero de Cunzo, Paola de Pietri, Paolo de Stefano, Vittore Fossati, William Guerrieri, Guido Guidi, Francesco Jodice, Mimmo Jodice, Giuseppe Leone, Armin Linke, Martino Marangoni, Raffaela Mariniello, Alberto Muciaccia, Enzo Obiso, Ippolita Paolucci, Emanuele Piccardo, Francesco Radino, Luciano Romano.

Artists Space
38 Greene Street, 3rd Floor
New York, NY 10013
tel: 212.226.3970 Ext. 27
fax: 212.966.1434
http://www.artistsspace.org
artspace@artistsspace.org

Coinciding with the opening of Zaha Hadid’s first built project in the United States - the Rosenthal Center for Contemporary Arts in Cincinnati – Artists Space is mounting a large-scale exhibition of her visionary work, including the unveiling of the design for her most recent US commission – the Price Tower Arts Center in Bartlesville, Oklahoma. This exhibition provides an in-depth look at several built and unbuilt projects by Hadid including new drawings, models, digital animations and paintings. Zaha Hadid is one of the world’s most renowned architects. Recent projects such as the Rosenthal Center, the Center for Contemporary Arts, Rome, Wolfsburg Science Center and the Strasbourg Tram Station extend and build on over 20 years of radical experimentation and research in the fields of urbanism, architecture and design. Artists Space is honored to host this significant exhibition of Hadid’s provocative and challenging architecture at this critical junction in her career. This exhibition extends the tradition of Artists Space’s Architecture and Design Series, which has featured the work of emerging and established architectural practitioners since 1978.

Louisiana Museum of Modern Art
3050 Humlebaek
Denmark
tel: +45 4919 0719
fax: +45 4919 3505
http://www.louisiana.dk/
press@louisiana.dk

In the series The Architect’s Studio, Louisiana has in recent years focused on some of the most innovative and influential architects of our time. These shows have been conceived as studio exhibitions, offering insight into the individual architect’s work processes, methods and sources of inspiration. The upcoming exhibition, which is also the last in this series, presents the Italian architect Renzo Piano.

Palais de Tokyo
Site de création contemporaine
13, avenue du Président Wilson
75116 Paris
tel: 01 47 23 54 01
fax : 01 4720 1531
http:// www.palaisdetokyo.com
contact@palaisdetokyo.com

A travers les œuvres de vingt-quatre artistes internationaux, l'exposition "GNS " (Global Navigation System) formule l'hypothèse que la topographie est un enjeu majeur de la création artistique actuelle, et une clé pour la comprendre. Qu'est-ce qui motive les artistes à représenter le monde d'aujourd'hui, avec des moyens très divers, alors que les médias nous abreuvent d'images de la planète ? À travers des processus d'enquête, d'exploration ou d'investigations, les artistes réunis par "GNS" travaillent en collectant des données afin de produire des formes, procèdant à partir d'informations " traitées " ensuite dans des styles très divers, depuis le diagramme jusqu'au documentaire, de la peinture jusqu'à l'installation... Cartes, plans, images satellitaires, prises de vue, échantillonnages, études sociales, diagrammes et tableaux : jamais la géographie n'a pris autant d'importance dans l'art qu'aujourd'hui. Il faudrait remonter plusieurs siècles en arrière pour voir les artistes explorer le monde physique avec une telle ardeur ; à ceci près qu'à l'époque des voyages de MAGELLAN ou de Sir FRANCIS DRAKE, ils contribuaient à la découverte d'une planète encore largement inconnue, tandis que les artistes de notre temps arpentent un globe terrestre dont le moindre mètre carré (ou presque) a fait l'objet d'un relevé, quadrillé de réseaux de communication et scruté par des centaines de satellites. La géographie aujourd'hui n'a donc plus rien à voir avec celle d'hier : les modes de graphie ont changé, tout autant que la gé (la Terre). Science qui a pour but "la description de la Terre, des formes de son sol et des différents aspects de la vie à la surface du globe", la géographie des artistes contemporains explore désormais les modes d'habitation, les multiples réseaux parmi lesquels nous vivons, les circuits par lesquels nous nous déplaçons, et surtout les formations économiques, sociales, et politiques qui délimitent les territoires humains.
Artists: Franz ACKERMANN, Bureau d'études, Nathan CARTER, Wim DELVOYE, OCEAN EARTH, Dominique GONZALEZ-FOERSTER, Thomas HIRSCHHORN, Laura HORELLI, Pierre HUYGHE, Pierre JOSEPH, Jakob KOLDING, Matthieu LAURETTE, Mark LOMBARDI, Julie MEHRETU, John MENICK, Aleksandra MIR, Henrik OLESEN, Kirsten PIEROTH, Marjetica POTRC, Matthew RITCHIE, Pia RÖNICKE, Sean SNYDER, STALKER, Simon STARLING. + LE PAVILLON : Projet Collectif + Quentin ARMAND, Angela DETANICO & Rafael LAIN, Adriana LARA, Andreas FOGARASI, Lucas MANCIONE, Nicolas MILHÉ, Émilie RENARD.

ARTE PUBBLICA IN ITALIA: LO SPAZIO DELLE RELAZIONI

ARTE NELL'ERA GLOBAL.
How Latitudes Become Forms

Fondazione Sandretto Re Rebaudengo
Via Modane 16
Torino
tel: 011 19831600
info@fondsrr.org
http://www.fondsrr.org

Organizzato dal Walker Art Center di Minneapolis, e curato da Philippe Vergne, il progetto espositivo presenta i lavori di 27 artisti contemporanei provenienti da Brasile, Cina, Giappone, India, Sud Africa, Turchia e Stati Uniti. In mostra 59 opere realizzate nell'ultimo decennio con diverse tecniche artistiche in commistione tra loro, dalla scultura alla pittura, dall'installazione alla fotografia, dal video alla performance. Il titolo in lingua originale How Latitudes Become Forms è un chiaro riferimento alla mostra When Attitudes Become Form, curata da Harald Szeemann e presentata nel 1969 alla Kunsthalle di Berna in Svizzera. Il progetto rappresentò un punto di svolta nella storia dell'arte contemporanea, mostrando per la prima volta l'arte processuale al grande pubblico e riunendo le opere dei maggiori esponenti americani ed europei del nuovo clima culturale, come Joseph Beuys, Richard Serra e Lawrence Weiner. Anche l'attuale mostra organizzata dal Walker Art Center intende focalizzare l'attenzione su esperienze alternative, soffermandosi su produzioni sempre differenti, a seconda del contesto socio culturale in cui nascono. Ne scaturisce un panorama multidisciplinare e molto vario, paradossalmente in contrasto con le tendenze globalizzanti che caratterizzano il tempo in cui viviamo. In un'epoca in cui la velocità di scambi e di informazioni tende a trainare verso l'uniformità, questa mostra offre invece esempi di una creatività fertile e diversificata, di una sperimentazione che arricchisce i modelli di ricerca correnti con cui siamo abituati a confrontarci.

Alberto Rosselli designer architetto

Politecnico di Milano - Facoltà di Architettura
Campus Leonardo - Spazio Mostre
Via Ampère 2
Milano
Orario:
da lunedì a venerdì 9 – 18
ingresso libero
Informazioni:
info@ghigos.it
http://www.ghigos.it/albertorosselli.html

La mostra ripercorre l’opera di un architetto e designer milanese che ha segnato profondamente la cultura progettuale del dopoguerra, pur nei modi silenziosi e riservati che lo hanno sempre connotato. La direzione attenta di "Stile Industria", le puntuali lezioni universitarie e la proposta di progetti innovativi e coraggiosi ne testimoniano ancora oggi la rilevanza sia a livello teorico che progettuale. Alberto Rosselli è stato tra i promotori-fondatori dell’ ADI (Associazione per il Disegno Industriale), è stato tra i primi ad interessarsi e a parlare di “disegno industriale”, ma ha anche operato una svolta nell'insegnamento universitario impostando la didattica su rigorosi criteri di metodo e introducendo il concetto di progettazione come processo decisionale. Il suo contributo è stato determinante nella fondazione dell’Area Tecnologica della Facoltà di Architettura di Milano, che ha potuto da quel momento contare su una forte struttura concettuale di riferimento. A livello progettuale Alberto Rosselli ha svolto un’indagine con una forte impronta sociale: il suo sguardo, sempre volto a cogliere le reali esigenze dell’utente, riusciva a tradurle in soluzioni tecnologiche e materiche di esemplare semplicità. Per lui il designer doveva "essere un deputato dei consumatori presso la produzione. Colui che ne interpreta i desideri stando come il Consigliere del Principe: accanto a lui, ma non sotto di lui”. Proprio dall’attenzione dell’uomo nei confronti dell’Uomo e dalla costanza rigorosa e scientifica con cui era portata avanti una simile ricerca, scaturisce la qualità di un progetto che riusciva a incidere realmente sui modi di vivere. La spiccata predilezione per soluzioni aperte e flessibili testimonia tuttora il tentativo metodico con cui Rosselli ha cercato di perseguire e coltivare “l’incertezza come valore progettuale”. La mostra ripropone Alberto Rosselli dopo un lungo periodo di silenzio "storico": per vari motivi la sua figura sembrava essere stata in parte dimenticata. Il lavoro svolto, di ricostruzione e documentazione dei progetti, vuole così testimoniare una ricerca di indiscutibile rilievo, che si pone come memoria di un recente passato e come fonte di insegnamenti ancora estremamente attuali. La mostra, promossa dal Gruppo Ghigos con il Gruppo Studentesco Architerna, è curata dal Gruppo Ghigos.

ARCHILAB 2003
http://www.archilab.org
contact@archilab.org

This year, the FRAC Centre is displaying its collection in five exhibitions in OrlÈans. This collection, which is one of a kind, is constructed on notions of utopia and experimentation in architecture, bringing together symbolic projects ranging from the radical architecture of the 1960s to the very latest works. Through its forward-looking dimension, the FRAC Centre collection comes across as a store of ideas about tomorrow's architecture. It is an open-minded forum for reflection, questioning architectural design processes. This collection embraces an architecture with a broad field of reference, involved in permanently challenging its at once creative and critical praxis.

Site des Subsistances militaires
88 rue du Colombier
Orléans

Opening: 10 June 2003
(closed in August)

http://www.archilab.org

In a venue of more than 16,000 sq ft, at the Subsistances, the FRAC Centre offers a tour through its collection. Some 200 models and maquettes and 400 drawings will be on view. The exhibition starts in the 1950s with Constant and the Espace group in France, exploring a new form of artistic synthesis. The most forward-looking and radical experiments of the 1960s are displayed by way of major projects in the history of architecture, from the Haus-Rucker-Co Pneumacosm to David Greene's Living Pod. There is an overview of urban utopias, from Yona Friedman's "spatial cities" to Rem Koolhaas' Delirious New York; from the megastructures of the 1960s to the urban projects of Asymptote produced in the late 1980s. Architecture "breaks down" into cells, ramifies as biological bodies, and deconstructs itself in writing (Open House, Coop Himmelb(l)au); it is disseminated in grids (Parc de la Villette, Tschumi), or erected as an eclectic corpus (Graves).

FRAC Centre
12 rue de la Tour Neuve
45000 Orléans
tel : 33 (0)2 38 62 52 00
fax : 33 (0)2 38 62 21 80
centre.frac@wanadoo.fr
http:// www.frac-centre.asso.fr

(closed in August)

http://www.archilab.org

In the late 1960s, Florence was the cradle of radial Italian architecture. At that time its protagonists embarked on a challenge to the very identity of architecture, which became a conceptual activity, capable of incorporating the other visual arts. This exhibition presents two essential projects to do with city, grid and the disappearance of architecture: Superstudio's "Architectural Histogrammes" and "No-Stop City" by Archizoom. The provocative, ironical and caustic proposals put forward by Superstudio, Archizoom, UFO, Franco Raggi, Andrea Branzi and Giani Pettena get to grips with architecture as an "art of constructing".

Orléans MultiMedia Centre/Médiathèque

http://www.archilab.org

In 1989, Dominique Perrault (1953) won the international competition launched by François Mitterrand for the new French National Library. This exhibition retraces the genesis of this project, one of the most radical to be built in France, through maquettes and drawings. The tremendous amount of graphic and illustrative research undertaken by the architect in his sketchbooks attests to the great complexity of the aesthetic and historical fields of reference involved, and follows the long path of spatial exploration around the notion of void and presence/absence.

50. Esposizione Internazionale d'Arte - La Biennale di Venezia

Sogni e Conflitti - La dittatura dello spettatore

Giardini della Biennale
Arsenale
Museo Correr
Stazione Santa Lucia
http://www.labiennale.org/

La 50. Esposizione Internazionale d'Arte della Biennale di Venezia si presenta quest'anno come una "mostra delle mostre", che si svilupperà nei diversi spazi dell'Arsenale, all'interno degli storici Giardini della Biennale, al Museo Correr e altri spazi in città, che come degli Interludes, renderanno ancora più ampia questa edizione, la Cinquantesima, della Biennale d'Arte. Francesco Bonami ha voluto costruire una grande rassegna internazionale che prenda in considerazione le diversità che compongono la realtà artistica contemporanea, e per questo si comporrà di diversi progetti , ognuno con una sua propria identità e autonomia. Lo spettatore-lettore di questa mappa potrà così affrontare le singole individualità artistiche e costruirsi un personale itinerario. Non esiste infatti un inizio e una fine, ma tanti luoghi e tante diverse visioni e tendenze per affrontare un viaggio nella contemporaneità. Altri Links arricchiranno quest'anno l'Esposizione d'Arte. La Biennale di Venezia sarà inoltre presente fuori dai confini della laguna, in molte città, dove sarà visibile un segmento di un unico condotto di comunicazione, che dall'Arsenale connetterà tutte le diverse sedi della 50. Il progetto the cord, realizzato da archea associati e da c + s associati, nasce da un'idea di Francesco Bonami per un'opera di arte e architettura contemporanea, che possa collegare le diverse parti della mostra ma non solo. La presenza italiana ritrova quest'anno un equilibrio all'interno dell'Esposizione e soprattutto nei Giardini della Biennale. Oltre infatti alla presenza di artisti nelle varie sezioni della Mostra, uno spazio-installazione all'interno dei Giardini, realizzato dal Gruppo A12, sarà il luogo dedicato a cinque giovani artisti italiani, invitati da Massimiliano Gioni mentre il Padiglione Venezia, con il Premio per giovani artisti organizzato dalla DARC, sottolinea l'impegno dedicato all'arte contemporanea da parte delle Istituzioni culturali nazionali.

Triennale di Milano
viale Alemagna, 6
Milano
tel: +39 02 724341
fax:+39 02 89010693
http://www.triennale.it

Informazioni:
DPA – Politecnico di Milano
tel: +39 02 23995043

chiusura estiva: dal 28 luglio al 15 settembre

La mostra intende presentare ad un più vasto pubblico di specialisti e non, alle Amministrazioni locali, agli Enti di gestione del territorio e del patrimonio costruito, i risultati della ricerca strategica del Politecnico di Milano sulla Ridefinizione delle periferie urbane metropolitane. Progetti integrati sui temi della casa e delle grandi opere infrastrutturali e della vita associata svolta in questi anni dal Dipartimento di Progettazione dell'Architettura. Muovendo da una critica radicale al concetto di "città diffusa" e superando la tradizionale dicotomia fra centri storici e periferie, con particolare attenzione al contesto lombardo viene posto il problema della qualità dei sistemi territoriali esterni ai nuclei consolidati, cui viene riconosciuto un autonomo potenziale propulsivo di sviluppo economico e di "nuova urbanità" rispetto ai tradizionali centri metropolitani. La mostra Periferie e Nuove Urbanità propone dunque prioritariamente il superamento del concetto stesso di periferia che, benché riferibile a territori soverchiati dai soli processi economici, normativi e gestionali dell'edilizia e dell'urbanistica degli ultimi decenni, corrisponde a realtà non omologabili, ma differenziate nella loro irrisolta identità rispetto alla specificità naturale e storica dei luoghi, al valore e alle necessarie cure del preesistente, e al carattere architettonico delle possibili nuove edificazioni. Di fronte alla "inondazione edificatoria" e congestione dei territorio metropolitani, il progetto di architettura ripropone e difende il valore pubblico degli spazi naturali inedificati, siano essi boschi urbani e territoriali o terreni coltivati, come fondamentale fattore costitutivo dell'insieme, luogo di vita e non solo distanziatore delle parti costruite, e cimentarsi con la preziosità strategica dei manufatti storici e di tutte le singole occasioni di progetto per migliorare non solo la vita di chi ci abita ma anche la qualità dell'insieme. Frutto di una lunga tradizione di lavoro, l'approccio caratteristico del Dipartimento di Progettazione dell'Architettura nell'affrontare il tema delle periferie è quello morfologico, che considera nelle dinamiche storiche di lungo periodo l'evoluzione del costruito e dell'ambiente naturale dai caratteri originali fino all'oggi e i suoi possibili futuri. Esso guida sia la diagnostica dei problemi strutturali e qualitativi dell'abitare nell'attuale dispersione degli insediamenti, sia la prospezione di nuovi attendibili assetti che ne delineino la risoluzione in senso civile. La mostra Periferie e Nuove Urbanità sottolinea quindi la centralità del progetto di architettura, fondato sulla ricerca scientifica, come strumento di trasformazione dell'assetto del territorio.

Facoltà di Architettura
Plesso Didattico di S.Vediana
Piazza Ghiberti 27
Firenze

Informazioni:
http://www.ixem.it
info@ixem.it
ctrlbulb@inwind.it

Terza edizione del Festival SUPERFICI SONORE. Spazio-Suono-Immagine: l'attuale scena Italiana impegnata nella la sperimentazione elettronica, in collaborazione con il collettivo IXEM. Superfici Sonore è un festival indipendente ed autogestito, nato nel 2001 dall'iniziativa di flatlandia, un'associazione culturale costituita dentro la facoltà di architettura di Firenze da studenti appassionati di arte e musica sperimentale. Nasce dalla necessità di relazionare la pratica architettonica alle altre arti contemporanee e di superare l'arido autoreferenzialismo dell'ambiente accademico fiorentino. Le intenzioni del festival sono, infatti, quelle di gettare uno sguardo obliquo sul linguaggio architettonico attraverso il media sonoro. Indagare le relazioni che esistono tra spazio e suono, scambiandone i codici per permettere nuove possibilità di lettura. Dal 25 al 27 giugno si terrà una intensa serie di appuntamenti. La mattina e la prima parte dei pomeriggi saranno dedicati alle discussioni tematiche. Nella seconda parte del pomeriggio si svolgeranno i concerti-laboratorio. Le serate saranno dedicate ai concerti in cui i musicisti coinvolti presenteranno i loro lavori: 12 live sets, 4 per ognuna delle tre sere del festival. Più di venti, tra musicisti e gruppi di IXEM che parteciperanno a Superfici Sonore 2003: Andrea Marutti, Claudio Sichel, ClaudioRocchetti, Giuseppe Ielasi, Domenico Sciajno, Mylicon/EN, Pierpaolo Leo, S.talker inc, ValerioTricoli, aal, Andrea Belfi, Elio Martusciello, Fhievel, logoplasm, Luca Sigurtà, Lucio Garau, Punck, rcf , (etre), Renato Rinaldi, Talk show host, Alessandro Fogar, Ether, Luca Miti, Francesco Michi, Plastic Violence, Arg.
Tutti gli eventi sono aperti al pubblico e ad ingresso libero.
IXEM (Italian eXperimental Electronic Music) è un collettivo di musicisti italiani che condivide i propri argomenti con tutti coloro che si interessano all'arte contemporanea sperimentale. Particolare attenzione è posta verso le forme di contatto tra tecnologia, mondo reale, suono e immagine. Si propone come strumento per cercare e stimolare un nuovo rapporto musicista/organizzatore nella realtà nazionale, dato che attualmente, nella maggior parte delle occasioni, comporta scompensi economici, remunerativi, logistici, tecnici e, non ultimi, umani per gli artisti italiani. Mira alla creazione di una nuova etica per la produzione, la proposta al pubblico e la fruizione della musica sperimentale elettronica.

Interaction Design Institute Ivrea
Via Montenavale, 1
10015 Ivrea (To)
http://www.interaction-ivrea.it

Il 27 e 28 giugno 2003 si conclude il primo ciclo biennale del Master in Interaction Design, e in occasione della consegna dei diplomi è previsto un programma di eventi aperti al pubblico. La manifestazione si articola in modo da offrire agli addetti ai lavori e al pubblico alcuni spunti di riflessione sulle modalità progettuali che propone la disciplina dell'interaction design, e sull'innovazione che questo processo culturale può apportare a livello nazionale e internazionale. L'apertura ufficiale al pubblico, prevede, tra le varie attività, due incontri tematici sull'interaction design, e l'inaugurazione della mostra di progetti di innovazione nel settore dei servizi per le comunicazioni, elaborati dagli allievi del secondo anno del Master. Attraverso un percorso articolato in vari spazi dell'edificio che ospita l'Istituto a Ivrea sarà illustrata l'attività dell'Istituto, e in tale contesto sarà possibile dialogare direttamente con docenti, ricercatori e allievi esaminando con loro i vari progetti. Saranno presentati in tale sede alcuni prototipi, progetti di servizi e simulazioni computerizzate. La mostra è online nella sezione Gallery di www.interaction-ivrea.it. Tutti gli eventi si tengono presso l'edificio dell'Istituto, la nota Blue House progettata dall'Arch.Eduardo Vittoria per Adriano Olivetti e ristrutturata dai Sottsass Associati.

P.S.1 Contemporary Art Center
Museum of Modern Art Affiliate
22-25 Jackson Avenue at 46th Ave
Long Island City
11101 New York
tel: (++) 1-718-784.2084
fax: (++) 1-718-482.9454
mail@ps1.org
http://www.ps1.org

P.S.1 Contemporary Art Center presents an exhibition of posters, album covers, advertisements, and other ephemera designed over the last 25 years by Art Chantry, who has profoundly impacted the history of graphic design in the United States over the last 25 years. Chantry's low-tech, raw, but highly refined design stands in stark contrast to today's slick digital graphics. Originally from Tacoma, Washington, Chantry moved to Seattle in the late 1970s and became a singular force in the city's subculture, designing album covers and posters for the underground music and theater industry. He served as art director for The Rocket, Seattle's free monthly tabloid and a breeding ground for talented contributors such as Matt Groening of The Simpsons and cartoonist Lynda Barry. His design work for independent record labels, commercial clients and political and community events, always on a low budget and with a quick turnaround, remains influential and much imitated today. His posters juxtapose large type, often fractured or distressed and lifted from vintage sources, with startling pictures appropriated from clip art, exploitation magazines, and hot-rod culture. Recycling this material to produce work that is simultaneously chaotic and clear, Chantry reminds the viewer that much of what we see in advertising and packaging is born of vernacular culture. Translating the ragged physicality and irreverent humor of punk music into visual form, Chantry, whose methods often mirror his punk aesthetics, avoids using the computer as a design tool and is known for being choosy about the corporate clients for whom he is willing to work. At P.S.1, a wide selection of works produced since 1978 presents Chantry at his most mischievous and masterful, with particular regard to material investigation. Included are posters printed on reflective silver Mylar, thin copper foil, black velveteen, old wallpaper samples, vinyl records, and even metal plates riddled with actual bullet holes. These are, after all, Art Chantry's Greatest Hits. Curator: Robert Nickas.

Silo - Espaço Cultural
Oporto

Influx is an exhibition in progress made up of five separate exhibitions entitled Influx 0.1: confluence, Influx 0.2: compulsion, Influx 0.3: confrontation, Influx 0.4: condensation, and Influx 0.5: dislocation. It provides a close look at the recent work of young Portuguese architects and introduces them to the wider public. For the final exhibition a catalogue will be published that will comprise the works presented by the 15 groups taking part in the project. Influx 0.5 dislocation, the last in the series, will focus on the effect of physical and cultural dislocation in the work of Portuguese architects who are developing their professional practice abroad, featuring works by Marcos & Marjan, Londres (Marcos Cruz and Marjan Coletti); Equipo 4d, Madrid (Samuel Torres de Carvalho and Pedro Palmeras); Bureau des Mesarchitectures; Paris, of Didier Fiuza Faustino, who will also present a video art work. Curators: Pedro Gadanho and Luís Tavares Pereira

Accademia Carrara
Via S. Alessandro 47
Bergamo

Informazioni:
mob:+39 329 6906747
mob:+39 347 0796673
info@newlandscapes.org
http://www.newlandscapes.org

In che modo etica ed ecologia possono trovare una collocazione all'interno di contesti metropolitani frammentati, degradati, manipolati dal consumo del suolo, soggetti ai mutamenti degli scenari economici globali? Quale relazione esiste tra ecologia e metropoli? Quale paesaggio ne è il risultato? L'eterogeneo gruppo "new landscapes", composto da studenti di architettura, design lettere, filosofia, ha avviato una serie di riflessioni sulla condizione metropolitana contemporanea: la città dispersa, il mutamento dell'identità dei luoghi, le reti di traffico, la velocità quale componente primaria della percezione del paesaggio, il ribaltamento del concetto di viaggio, la perdita della dimensione sociale, l'individualismo diffuso, il consumo delle risorse ambientali, le possibili alternative per un uso del suolo responsabile. L'ambito di studio ed elaborazione progettuale è stato identificato nelle grandi infrastrutture dedicate al traffico veicolare e loro vicinanze: vuoti urbani, aree inutilizzate, terreni agricoli non ancora modificati dall'edificazione, insediamenti degradati, sia sotto il profilo della qualità ambientale che sociale. Sono state elaborate proposte per realizzare interventi atti a far riflettere sui temi individuati, attraverso tavole grafiche, installazioni ed altri mezzi espressivi. L'esposizione non vuole porsi come episodio conclusivo, ma come testimonianza di un processo in divenire, aperto ad accogliere nuovi contributi e a confrontarsi con nuovi contesti urbani e sociali; vuole essere manifesto di intenti e azioni che si 'inseriranno nel tessuto urbano, tramite installazioni ed eventi temporanei che coinvolgeranno fisicamente sia gli autori che i passanti, diventando esperienza diretta, sperimentazione collettiva di un diverso modo di appropriazione del paesaggio urbano.

Informazioni:
mob: +39 339 2303743
info@spaziaroma.it 
http://www.spaziaroma.it

Il progetto consiste nella realizzazione di quattro itinerari, che, partendo da una porta delle Mura Aureliane, e, seguendo le vie consolari, propongono una lettura critica del territorio e del suo sviluppo urbano e architettonico nel tempo. In tal modo, mediante un percorso visivo e conoscitivo, si riesce a creare un legame logico e sensato tra la città storica, la città consolidata e la periferia, troppo spesso isolata nelle sue leggi costitutive e formali apparentemente autonome. La frammentazione spontanea e la diversificazione pianificata, che hanno dato vita a forme di espressione talvolta molto diverse, devono essere analizzate per ipotizzare “ricuciture” mediante nuove soluzioni, atte a comprendere e sviluppare le molteplici potenzialità intrinseche, ma non ancora manifestate, della periferia stessa. Indagando sulle progettualità presenti e passate si può giungere alla comprensione scientifica di un “patrimonio” architettonico ed urbanistico che, creato dall’espansione demografica della città spesso incontrollata e dai tentativi di regolarizzarla all’interno di progetti urbanistici, è ormai di fatto l’ambiente nel quale vive gran parte degli abitanti della città. Gli itinerari di ricognizione previsti terminano ogni volta in un luogo simbolico nel quale verrà realizzato un evento spettacolare. Ogni evento prevede l’apertura straordinaria e gratuita del luogo pensato come “punto di arrivo” di una visita “tematica” dal centro alle periferie. La visita sarà riservata ad un numero limitato di persone prenotate al quale se ne aggiungeranno altre, (sempre in numero limitato), le quali, giunte sul luogo di arrivo di ognuna delle giornate, parteciperanno all’evento finale. Spaziaroma nelle periferie è un progetto di Giorgio Muratore e Marcello Cava.

Forte Belvedere
Via San Leonardo
Firenze
Informazioni:
tel: +39 055 2001486
fax: +39 055 2001486
http:// www.belvederedellarte.it

Orizzonti è una mostra che nel titolo sottende l'idea dell'arte come punto di fuga e di contatto, l'opera come fulcro e soglia. Da una parte, gli artisti contemporanei, che invitano lo spettatore a riconoscere un nuovo orizzonte la cui grandezza è stabilita dalle opere contemporanee nel giardino del Forte Belvedere a Firenze; dall'altra, l'orizzonte rinascimentale, cristallizzato nella sua perfezione; infine la fotografia, come specchio della società nell'America del '900. All'esterno del Forte Orizzonti instaura un confronto con la storia del '900, con il secolo appena trascorso e con l'attualità, attraverso la presenza di installazioni appositamente realizzate da artisti internazionali (saranno esposte opere inedite o realizzate in occasione della mostra nel giardino antistante la Palazzina): opere-fulcro e opere-soglia, disseminate nel giardino austero del Belvedere, che si misurano con i valori formali di Firenze contrapponendo a quell'orizzonte "classico" dodici nuovi orizzonti contemporanei. Gli artisti invitati quest'anno a questo confronto sono: Marco Bagnoli, Massimo Bartolini, Timet, Loris Cecchini, Tony Cragg, Anish Kapoor, Marisa Merz, Mario Merz, Maurizio Nannucci, Giulio Paolini, Giuseppe Penone, Nancy Rubins. All'interno della Palazzina del Forte è prevista una grande mostra di fotografia, con i maggiori autori dagli inizi del '900 ad oggi che hanno raccontato la storia dell'America, i modi di vivere e di essere che ormai appartengono a tutti noi, in cui l'"orizzonte" è quello del tempo frantumato ed onnivoro della cronaca, esemplificato da un secolo di fotografia americana, da Dorothea Lange ad Andres Serrano, da Weegee a Nan Goldin, da Garry Winogrand a William Eggleston, da Robert Frank a Jack Pierson e Lauren Greenfield. Belvedere dell'arte è un progetto triennale di Achille Bonito Oliva. Mostra a cura di Achille Bonito Oliva e Sergio Risaliti.

MAK Center for art and architecture
Schindler House
835 North Kings Road West Hollywood,
Los Angeles CA 90069
tel: (+1-323) 651 1510
fax: (+1-323) 651 2340
office@makcenter.org
http://www.MAKcenter.org

Juried exhibition of 20 conceptual architectural proposals for the site adjacent to the Schindler House, West Hollywood. In response to the prospect of yet another neighboring condominium complex, the MAK Center at the Schindler House invited architects worldwide to submit alternative visions designed to preserve the integrity of the landmark home. Schindler's Paradise: Architectural Resistance is an exhibition of twenty significant submitted projects. Three of these were premiered by an international jury. Jury members: Frank Gehry, architect, Los Angeles; Roberto Gottardi, architect of one of the acclaimed Cuban Art Schools outside Havana; Chris Burden, artist; Michael Asher, artist; Richard Koshalek, President of Pasadena's Art Center College of Design; Peter Noever, Director, MAK, Vienna; Carl Pruscha, Professor at the Academy of Fine Arts, Vienna; Judith Sheine, Chair of the Architecture Department at Cal Poly, Pomona and author of two books on the work of R.M. Schindler. Conceptual architectural proposals by - COOP HIMMELB(L)AU - Christophe Cornubert/PUSH - Odile Decq and Benoît Cornette* - Günther Domenig - Georg Driendl - Durfee/Regn - Eichinger oder Knechtl - Peter Eisenman* - Zaha Hadid Architects* - Sandrine von Klot - Andrea Lenardin-Madden - Mark Mack Architects - Eric Owen Moss - the Next ENTERprise - Dominique Perrault - Michael Rotondi - Bernard Sommer - Klaus Stattmann - Umbrella Organization - Lebbeus Woods.
*premiered projects
Curator: Kimberli Meyer

Informazioni:
tel: 02 422 51 32
med.mail@libero.it
http://www.mdzdesign.com/uovo/

Dal 10 al 21 settembre 2003 al Superstudio Più, alla Triennale di Milano, a Le Centre Culturel Français de Milan e al Plastic l'Associazione med organizza la prima edizione di ''UOVO performing arts festival'' curata da Umberto Angelini: 17 artisti internazionali - 23 rappresentazioni - 10 nazioni - 9 artisti per la prima volta in Italia - 12 prime nazionali. Assistiamo in Europa ad una crescente curiosità verso le nuove forme interdisciplinari dello spettacolo dal vivo che oltrepassano i generi e i luoghi tradizionali, non solo accentuandone il processo di contaminazione, ma ponendosi come una vera e propria nuova modalità di rappresentazione artistica. Da qui l'idea di ''UOVO performing arts festival'' come simbolo di perfezione e fragilità dello spettacolo contemporaneo, come luogo indisciplinato e indisciplinare di sperimentazione di nuovi linguaggi artistici e di comunicazione, crocevia delle esperienze europee più originali e innovative. Le arti performative, quali la danza contemporanea e la musica elettronica in particolare, hanno saputo in questi ultimi anni in Europa intercettare nuovo pubblico e nuovi luoghi (gallerie d'arte, musei, spazi urbani, etc.) e a intrecciarsi con altre discipline come l'arte visiva, il cinema, l'architettura e il design. Al termine degli spettacoli di volta in volta uno scrittore, un musicista, un fotografo, un ''abitante'' di via Tortona, un critico d'arte ''racconteranno'' lo spettacolo discutendone con l'artista e il pubblico, intersecando e sovrapponendo ''altri'' linguaggi e ''altri'' punti di vista. Andrea Lissoni , Filippo Del Corno, Matteo Bianchi cureranno i primi incontri.Tra gli artisti: Cindy van Acker, Rebecca Murgi, Jonathan Burrows, Krystina Lhotakova, Erna Ómarsdóttir, Yann Marussich, Yann Gioria, Two Fish, Olga Mesa, Meg Stuart, Magali Desbazeille. Il festival prevede altre due sezioni: una dedicata a i progetti musicali della nuova scena dance elettronica francese più raffinata (serata di musica elettronic